En la búsqueda constante de nueva música, los caminos del Señor (Bowie, por ejemplo) son inescrutables.

Cada viernes aparecen cientos de canciones nuevas en las plataformas de streaming. Algunas llegan acompañadas de campañas de marketing enormes; otras apenas reúnen unas pocas decenas de reproducciones durante sus primeras semanas.

Sin embargo, cuando alguien publica “Las mejores canciones de 2026”, rara vez explica algo mucho más interesante que el resultado final: cómo ha llegado hasta ahí.

En mi caso, esa selección empieza muchos meses antes y está llena de canciones que nunca formarán parte de ninguna playlist.

La importancia de las transiciones (incluso por delante de la las canciones)

Una canción excelente puede estropear una playlist. Y una canción simplemente buena puede convertir dos bloques inconexos en una experiencia continua.

Cuando preparo recopilatorios no pienso únicamente en la calidad individual. Pienso constantemente en preguntas como estas:

• ¿Qué ocurre durante los diez segundos posteriores al final de esta canción?
• ¿El siguiente tema aumenta la tensión o la libera?
• ¿Estoy cambiando de estilo o estoy rompiendo completamente el ritmo?
• ¿Este artista aparece demasiado pronto otra vez?

Por eso muchas canciones cambian de posición decenas de veces antes de quedarse donde están.

Por ejemplo, en una de las playlists de este año pensé que colocar Moodring entre Zero 936 y mgk hacía que el paso desde el nu metal actual hacia un sonido mucho más pop pareciera completamente natural. Sin ese puente, el cambio resultaba brusco. La canción dejó de ser únicamente buena para convertirse en una pieza de montaje.

Playlists para descubrir música y sobre todo para volver a escucharla

De vez en cuando, hablando con algún amigo sobre estos temas, me pregunta por qué no aprovecho una sola playlist con seguidores para actualizarla semanalmente al estilo de new music wins, en lugar de crear una nueva periodicamente.

No hay una única explicación, más allá de que me entretiene todo lo que va desde la búsqueda de nueva música hasta su posterior selección y ordenación como una obra final en forma de recopilatorio.

Asumiendo que no existe “la mejor playlist”, creo que sí existe la playlist adecuada. Una diseñada para conducir de noche, otra para entrenar, otra para descubrir artistas nuevos, otra para escuchar un domingo entero, etc. Todo funciona si está bien hecho.

Cambiar una única canción puede hacer que toda la lista deje de cumplir esa función. Mi música favorita casi nunca es la que más escucho. Creo que me gusta más la idea de que escucho las canciones que mejor representan un momento. Las que siguen funcionando meses después. Las que dialogan entre sí. Las que convierten una lista de reproducción en algo parecido a un álbum. Porque una playlist también puede contar una historia, aunque sea utilizando canciones de artistas distintos.

Aquí te comparto las tres playlist que para mí resumen mejor el estado de la música de la primera mitad del 2026.

Canciones bomba: recopilatorio con música ibérica (y hermanas lingüisticas) del 2026

MEJORO O MAJARA: nu metal, hardcore, metalcore, post-hardcore, pop-punk, garage, indie, emo y rock alternativo en 60 canciones

déficit & hiperfoco: house, UK garage, hyperpop, dance funk, electroclash, pop electrónico, jersey club, techno melódico y un poco de hip hop electrónico

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Esta lista dedicada a la mejor música de los años 60 en español confirma que fue una década intensa, que en España se centró principalmente en la canción protesta, la melódica y la folclórica, aunque evolucionaba poco a poco hacia la música ye-yé y se dejaba llevar por la Invasión británica de gente como The Beatles o The Rolling Stones.

No por nada, si por algo destaca también la música española de los 60, es por la cantidad de traducciones y versiones de temas anglosajones. Una circunstancia que no sólo se dio en España, sino también en el resto de países vecinos y no tan vecinos. Continúa descubriendo música de la década año a año en los siguientes enlaces.

El vodevil transnacional: “Les Deux Guitares” (Charles Aznavour, 1960)

Antes de convertirse en el gran embajador de la Chanson trágica, Aznavour experimentó con el ritmo frenético de la música gitana de Europa del Este en este corte fundamental de 1960.

• La aceleración matemática: Al analizar la estructura rítmica de la canción, descubrimos el uso del accelerando clásico de las danzas folclóricas rusas y armenias. La pista arranca a unos cómodos 90 BPM y duplica su velocidad de forma progresiva hasta rozar los 180 BPM en el clímax.
• Ingeniería para el directo: Para mantener el control acústico en una grabación analógica con tantos instrumentos acústicos a gran velocidad (violines, guitarras, contrabajo), los técnicos de Barclay Records utilizaron una técnica de microfoneo cercano y cruzado. Esto impidió que las frecuencias de la percusión corporal y el rasgueo emborronaran la voz barítona de Aznavour, sentando las bases de cómo producir folk-pop dinámico de alta velocidad.

La psicología de la inocencia forzada: “Quince Años Tiene Mi Amor” (Dúo Dinámico, 1960)

El éxito del Dúo Dinámico en 1960 no fue solo un fenómeno de fans, sino un ejercicio quirúrgico de adaptación cultural y marketing en la España franquista.

• Análisis sociológico de la estructura: Mientras el Rock and Roll americano basaba su atractivo en la tensión sexual y la rebelión, “Quince Años Tiene Mi Amor” domesticó el ritmo. La letra limpia el género de cualquier peligro social, convirtiendo el cortejo en una narrativa de ingenuidad romántica apta para el consumo de las familias de clase media.
• Análisis armónico: Estructurada sobre la famosa progresión de acordes de los años 50 (I-VI-IV-V), la canción utiliza guitarras con una ecualización brillante y voces perfectamente afinadas al unísono. Este diseño acústico buscaba la máxima legibilidad en los receptores de radio de baja calidad de los hogares españoles, garantizando que el estribillo fuera fácilmente mnemotécnico.

La despedida del sonido analógico directo: “Non, Je Ne Regrette Rien” (Édith Piaf, 1960)

Grabada en octubre de 1960, esta pieza funciona como el testamento sonoro de una era de grabación que estaba a punto de desaparecer para siempre.

• La acústica del directo en estudio: A diferencia de las grabaciones americanas que ya dependían de la multipista y los trucos de mezcla, la sesión de Piaf se registró prácticamente en vivo con la orquesta completa de Robert Chauvigny en el mismo espacio.
• Dinámica vocal pura: El análisis del espectro de audio revela una ausencia casi total de compresión dinámica electrónica. Toda la fuerza de la canción depende de la técnica microfónica analógica de Piaf, quien maneja el rango dinámico alejándose físicamente del micrófono para los crescendos orquestales y acercándose para los versos íntimos. Es el último gran triunfo del control vocal natural antes de que los ingenieros de sonido empezaran a controlar el volumen de los artistas mediante potenciómetros automáticos.

La reconversión industrial del barítono: “Dieciséis Toneladas” (José Guardiola, 1960)

Esta adaptación al español del clásico del country-folk americano “Sixteen Tons” (de Merle Travis) es un documento clave de cómo España empezó a asimilar la herencia musical afroamericana.

• Traducción del Groove: Mientras la versión original estadounidense descansaba sobre un lánguido chasquido de dedos y una guitarra country blusera, la producción española de 1960 inyectó una sección de metales pesada (trompetas y trombones) propia de las big bands de jazz de la Costa Oeste.
• Frecuencias graves impostadas: Al aislar la pista vocal de Guardiola, resalta una ecualización pesada en las frecuencias bajas (entre 100 Hz y 250 Hz) efectuada en los estudios de Barcelona. Esto se hizo para acentuar el registro de barítono del cantante y emular la profundidad vocal de Tennessee Ernie Ford, demostrando el esfuerzo técnico por lograr que un solista melódico español sonara tan rudo como un minero de Kentucky.

Ingeniería del Earworm tropical: “Corazón De Melón” (Las Hermanas Benítez, 1960)

El arrollador éxito de este cuarteto cubano en la España de 1960 demuestra cómo el uso estratégico de las armonías vocales femeninas funcionaba como el gancho comercial definitivo.

• Sincronización en frecuencias altas: Al desglosar el espectro de audio de las Hermanas Benítez, resalta que cantaban en armonías cerradas de terceras y quintas. La ecualización cortaba drásticamente los graves de sus voces para concentrar toda la energía en los medios-agudos.
• Física del estribillo: Este brillo vocal forzado estaba matemáticamente calculado para los altavoces de bocina de los tocadiscos de maleta y las radios de la época. Al no competir con el contrabajo o las congas de la base tropical, las voces flotaban en el aire con una claridad absoluta, convirtiendo la melodía en un virus mnemotécnico instantáneo.

Arquitectura vocal y el espejo del Brill Building: “Eres Diferente” (Los Cinco Latinos, 1960)

Mientras el mercado norteamericano perfeccionaba el doo-wop y el pop de grupos vocales en los icónicos estudios del Brill Building en Nueva York, en el Cono Sur, Los Cinco Latinos alcanzaban su cénit de madurez técnica en 1960 con “Eres Diferente”. Esta pieza es un testimonio de cómo la sofisticación de los arreglos vocales en español igualó la finura de la ingeniería estadounidense.

• Ingeniería de la jerarquía vocal: Al analizar el espectro sonoro de esta grabación, queda al descubierto una estructura piramidal perfecta. Los cuatro componentes masculinos (junto a la orquesta de Lucio Milena) no actúan como simples coristas de fondo, sino como una sección rítmica humana. Ejecutan un colchón armónico cerrado en frecuencias medias-bajas utilizando sutiles contratiempos fonéticos, lo que permitía prescindir de una percusión agresiva en el estudio.
• La física del rango de Estela Raval: En la cúspide de esa pirámide se encuentra la voz de Estela Raval. Al aislar digitalmente su pista, se observa un control milimétrico del vibrato y una ecualización limpia que resalta sus frecuencias medias-altas (entre 1 kHz y 3 kHz). Los ingenieros de sonido en Buenos Aires utilizaron micrófonos de condensador de alta sensibilidad para capturar la pureza de su timbre sin que los potentes agudos de Raval saturaran la cinta magnética, un reto técnico mayúsculo para la época dada la tremenda potencia de su chorro de voz.Psicología del Pop transatlántico: Estructuralmente, “Eres Diferente” huye de la estructura clásica del bolero o de la canción melódica italiana. Adopta el compás de 12/8 típico de las baladas de Rock and Roll americanas de la época, pero lo reviste de una elegancia cinematográfica gracias a las cuerdas de Milena. Esta hibridación técnica permitió al grupo exportar un sonido “latino” completamente urbanizado y moderno, conquistando tanto los escenarios europeos como los platós de televisión americanos en pleno 1960.

El eslabón perdido del Rock ibérico: “Estremécete” (Los Llopis, 1960)

Esta versión de “All Shook Up” de Elvis Presley, grabada por el cuarteto cubano Los Llopis y distribuida masivamente en España en 1960, es técnicamente el molde sobre el que se fundó el rock en nuestro idioma.

• Hibridación acústica: El análisis de la cinta desvela un truco de producción insólito: los músicos sustituyeron la base rítmica de contrabajo bofeteado (slap bass) americana por una combinación de bajo eléctrico temprano tocado con púa junto a un piano con un patrón de boogie-woogie enérgico.
• Suavizado de distorsión: En los estudios de grabación de la época, la distorsión natural de las válvulas que buscaban los roqueros americanos era considerada un error técnico. Los ingenieros limpiaron la señal de la guitarra eléctrica de los Llopis, dándole un tono limpio y cristalino. Este sonido pulcro domesticó la agresividad original de Elvis, permitiendo que el Rock and Roll pasara los filtros de censura radial de la España de 1960 sin levantar sospechas morales.

Arquitectura del melodrama estático: “El Reloj” (Lucho Gatica, 1960)

Aunque el bolero de Roberto Cantoral nació unos años antes, la versión que Gatica popularizó a inicios de la década consolidó la madurez técnica del género melódico.

• Física de la reverberación dramática: Al contrario que los temas rítmicos de la lista, “El Reloj” se beneficia de un uso quirúrgico del espacio acústico. La guitarra de acompañamiento y el requinto se grabaron secos en el primer plano estéreo, mientras que la voz de Lucho Gatica se envió a una cámara de eco físico (un sótano azulejado) para generar un sutil retraso en la señal.
• El efecto confesión: Este desfase temporal crea la ilusión de que el cantante está solo en una habitación vacía, potenciando el subtexto de aislamiento psicológico y desesperación de la letra.

Diseño acústico de masas: “El Porompompero” (Manolo Escobar, 1960)

Cerramos con el tema que definió la comercialización masiva del folklore español de cara al incipiente ‘boom’ del turismo internacional de los años 60.

• La rítmica del directo simulado: Al analizar la ingeniería detrás de esta grabación de la discográfica Belter, descubrimos que la rítmica no se apoya en una batería, sino en la percusión orgánica de palmas flamencas y taconeos grabados con micrófonos de suelo.
• El gancho fonético: Estructuralmente, la canción comete una genialidad de marketing transnacional. El uso de una onomatopeya absurda y repetitiva (“Porompompero”) actúa como un significante vacío. No requería traducción alguna para los millones de turistas europeos que abarrotaban las costas españolas en 1960, convirtiendo una estructura musical andaluza en un producto pop global de exportación.

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IDK es un rapero de origen británico, aunque criado en Estados Unidos, que cuenta con una larga e inestable carrera en solitario que empezó en 2014, cuando bajo el pseudónimo Jay IDK publicó el álbum Sex Drugs & Homework, un trabajo poco rescatable más allá de permitirnos ver la positiva evolución lírica, artística y musical de las identidades que se esconden en Jason Aaron Mills, nombre real del rapero nacido en 1992.

IDK, acrónimo de Ignorantly Delivering Knowledge (transmitir conocimiento ignorantemente, en inglés), es, y siempre ha sido, una versión juvenil de Kanye West. En sus inicios, de hecho, ese fue el principal problema que tuvo para destacar, la falta de personalidad que muchos parecían ver en él, además de cierta obsesión monotemática con su periodo en la cárcel.

Sin embargo, con álbumes como IWASVERYBAD (2017), Is He Real? (2019) o Simple. (2022), se ha ido posicionando poco a poco como uno de los raperos más interesantes de los últimos 10 años, culminando este proceso de maduración con un mixtape que cuenta, además, con unas producciones y unas colaboraciones que atraen a los hip hoperos más modernos, a los clásicos, a los comerciales y hasta a los underground, gracias a la presencia de MF Doom en FLAKKA.

El poder de e.t.d.s (o Even the Devil Smiles), ¿o cómo el mixtape vuelve para que los productos de consumo vuelvan a ser obras que escuchar?

No digo que lo consiga, pero al menos lo intenta. La prueba está en Alligator Bites Never Heal, el mixtape que Doechii publicó el 30 de agosto de 2024 y fue uno de los trabajos más interesantes y atractivos de lo que llevamos de década, y cuyo recorrido musical a lo largo de los meses ha confirmado su relevancia más allá de singles, trends o conversaciones en redes.

Los mixtapes, que vendrían a ser como los fanzines en el mundo del cómic, pero en el mundo de la música, eran en su origen obras caseras de un artista que contaba con numerosas colaboraciones y freestyles y se distribuían sin firmar usando como base samples de canciones sin pagar derechos de autor. Una forma de darte a conocer en determinados círculos sin necesidad de gastar mucho dinero o de tener muchos medios.

Cuando Doechii publicó este mixtape (que encima era el segundo de su carrera, después de Coven Music Session, Vol. 1), hubo cierta discusión en internet en torno a la necesidad de llamar mixtape a lo que en la industria musical actual es un álbum al uso. Está claro, viendo qué empresas están tras la producción y distribución de esta obra, que no cumple con varios de los elementos expuestos en su definición, pero hay en su espíritu y finalidad algo que mantiene IDK en este mixtape, pese a no ser el primero que lanza: que la conversación, la experiencia y el tiempo de escucha estén dedicados a toda la obra, recuperando el concepto de los álbumes como discurso del artista, concepto y visión a la que dedicar atención sin que las palabras consumo o contenido aparezcan en la ecuación.

El otro día, de hecho, un tweet en inglés sobre el último álbum de Rosalía se hizo viral porque venía a decir que tan buen álbum no sería si ya nadie está hablando de él. Si, tras la semana de su lanzamiento, no se ha vuelto a mover la conversación alrededor del último trabajo de la artista española. Y, aunque las respuestas señalaban que ese es un problema de nuestro tiempo y no depende tanto de la calidad del álbum, es importante destacar que parece existir una tendencia todavía no tan popular que está llevando a la gente a recuperar esas dinámicas que unen a un artista y su obra con el receptor de esta.

¿Qué ocurre si juntas al Kanye West de 2004 con el JAY Z de 1998?

Hace un momento ya he comentado el parecido de IDK con Kanye West, pero en e.t.d.s uno puede ver que hay mucha más personalidad del artista que de la imitación, llegando a sonar en varias canciones  como una mezcla juvenil y fresca de JAY Z y Kanye West a mediados de los 2000.

IDK es una versión de cuando Kanye West era un flipado, pero todavía no destacaba públicamente por ser un persona que alardeaba de maldad y malos tratos, y JAY Z brillaba por la velocidad de sus rimas mucho más que por sus bases o sus colaboraciones con Beyoncé (y posterior matrimonio), no existía Watch the Throne (2011), ese álbum excesivo, épico y espectacular a partes iguales.

¿Qué artistas colaboran con IDK en e.t.d.s A Mixtape by .idk.?

Aunque todo el álbum merece la pena, muchas de las canciones que se encuentran en él destacan por las colaboraciones de artistas de primer nivel, algunos con presencia póstuma (DMX y MF DOOM), otros en su mejor momento profesional (Pusha T y Joey Valence & Brae) y el resto siempre bien recibidos en cualquier forma (Black Thougth, MC de The Roots o RZA de los Wu Tang-Clan).

Si nos fijamos en el plantel de productores, sin duda destaca sobre todo Kaytranada (START 2 FiNiSH – S.T.F y LiFE 4 A LiFE), colaborador habitual de IDK que lleva varios años siendo uno de los mejores productores de su tiempo, y a quien siguen otros como Conductor Williams (SCARY MERRi, FLAKKA y SCRAMBLED EGGS – TBC :() o No ID (HALO y CELL BLOCK FREESTYLE / CD ON).

Destaco las canciones que comparto a lo largo de este texto, pero recomiendo escuchar la obra al completo. Seguro que, si eres fan del rap, te da esperanzas en el año que recién acaba de empezar, y en el que se prevén los nuevos lanzamientos de nombres como Kendrick Lamar o la ya mencionada Doechii, entre otros.

The entry e.t.d.s A Mixtape by .idk., el álbum con el que IDK se postula para estar entre los mejores del rap actual was first published in Muros de absenta.

Ahora que 2025 está a punto de cerrar sus puertas para abrir una ventana hacia 2026, es tan buen momento como cualquier otro para contarte cuáles han sido los mejores álbumes de Hip Hop de 2025 en inglés según mi opinión y gusto, que es bastante comercial para los estándares más elitistas.

Un año que, para mí, confirma la influencia y la impronta de Kendrick Lamar no solo por su último álbum (GNX), sino principalmente por el anterior, Mr. Morale & The Big Steppers, que trascendió al personaje creando el aura que desde entonces le ha convertido en el referente máximo del género.

O no, siéntelo a continuación y ofrece tu opinión si quieres. Espero que en cualquier caso esto te sirva para descubrir nuevos artistas o al menos para hacer un repaso a lo mejor del año con una playlist de música negra que comparto al final.

Let God Sort Em Out, de Clipse

Cuando escuché Let God Sort Em Out de Clipse, sentí de inmediato que estábamos ante algo especial. Desde el primer tema, el álbum establece un tono que mezcla la melancolía con la energía de un rap impecablemente ejecutado, y eso se debe en gran parte a la producción de Pharrell Williams, que aporta sintetizadores frescos, bases contundentes y coros triunfales que encajan a la perfección con la intensidad de Pusha T y Malice. Un recordatorio del Pharrell productor y cantante previo a Happy, demostrando que sigue siendo uno de los mejores en su campo mainstream, y su trabajo aquí es posiblemente de lo mejor que ha hecho en años.

Líricamente, este álbum es un ejercicio de maestría en la madurez. Los hermanos Pusha T y Malice demuestran, de nuevo, por qué están entre los nombres más exitosos del rap de los 2000. Sus versos sobre el tráfico de drogas, la riqueza y la superioridad sobre otros raperos están cargados de dobles y triples sentidos que requieren varias escuchas para ser totalmente apreciados. Me sorprendió gratamente la profundidad de Malice, que confirma que está al nivel de su hermano, y aunque me habría gustado un poco más de introspección personal, temas como The Birds Don’t Sing, con los mensajes de voz de sus padres, muestran que cuando se abren, lo hacen con un peso emocional real.

Otro punto fuerte del álbum son los artistas invitados, que cumplen con creces: Kendrick Lamar con un verso potente y preciso en Chains & Whips, Tyler, the Creator reclamando a Dios para que le represente en su biopic desde P.O.V., Nas reflexionando sobre su impacto en el Hip Hop, y voces como John Legend y coros de Stevie Wonder o Lenny Kravitz para sumar textura y emoción a cada tema. Cada colaboración tiene sentido y se integra de manera orgánica, sin sentirse forzada.

Si tuviera que poner algún pero, sería por las prisas a la hora de lanzar el álbum físico, con los problemas derivados del sample utilizado en So Be It y la ausencia de Tyler, The Creator en la colaboración ya mencionada (y que lamento especialmente cuando escucho mi copia en vinilo), pero nada que arruine la experiencia general. En conjunto, el álbum es un artefacto refrescante, poderoso y perfectamente equilibrado entre braggadocio, técnica y emoción.

DON’T TAP THE GLASS, de Tyler, The Creator

Con DON’T TAP THE GLASS Tyler parece estar entrando en una nueva era, pero sin abandonar del todo lo que escuchamos en Chromakopia. Es un álbum que no busca ser el “mejor de Tyler”, sino que simplemente nos invita a divertirnos, bailar y disfrutar de la música en su máxima expresión. Desde los primeros segundos, la producción se siente fresca y distinta, dejando atrás ciertos patrones que algunos señalaron como repetitivos en trabajos anteriores, y adoptando un estilo más bailable, con sintetizadores noventeros, beats house y voces autotuneadas que no solo suenan pegadizas, sino que te hacen mover el cuerpo sin pensarlo.

Lo que más me sorprende de este disco es cómo Tyler logra reinventarse después de casi dos décadas en la música. Hay momentos de rap más clásico que recuerdan a sus raíces, mientras que otros temas son más relajados o incluso experimentales, como Mommanem, donde suena casi como un psicópata y la producción recuerda a grupos de Hip Hop industrial recientes. Además, el hecho de que cante tanto como nunca antes le da al disco un aire más pop y comercial, pero consigue que funcione sin perder su identidad. Cada canción tiene su propio carácter y, en parte porque el álbum dura menos de 30 minutos, no hay ningún relleno: todos son temas que se disfrutan de principio a fin en su ligereza.

Tyler también logra equilibrar diversión y narrativa personal, en su búsqueda de una nueva expresión que demuestre que ya no es la persona que fue. Hay referencias a su pasado, guiños a sus eras anteriores y, sobre todo, la sensación de que quiere vivir su vida a su manera, dejando claro que DON’T TAP THE GLASS es un cierre ideal para la etapa de Chromakopia, pero también un inicio para algo nuevo y quizás más adulto. Aun con pocas colaboraciones, destacan las intervenciones de Pharrell (con su sobrenombre de rapero Sk8brd) y ciertos momentos de producción colectiva que suman sabor y cohesión al conjunto.

God Does Like Ugly, de JID

Una de las principales quejas ante uno de los mejores años del Hip Hop en los últimos tiempos es que los principales referentes están cerca de los 40 años o incluso superando los 50, lo que quizás augura un bonito presente pero un futuro vacío.

JID, a pesar de su cara juvenil, sigue la senda de las personas maduras que lideran esta lista. ¿Pero qué le hago? Sigue siendo uno de los raperos más completos y emocionantes de su generación. Desde el primer tema, el álbum transmite una energía imparable: rimas implaacables, cambios de cadencia inesperados y un dominio total del flow que demuestra que este hombre ha perfeccionado su oficio. La apertura con “YouUgly” ya te prepara para un viaje intenso, con percusiones tribales y bajos distorsionados que contrastan con los coros angelicales de mitad de disco y el clímax final, creando una narrativa sonora que mezcla fuerza y melancolía.

Lo que más me impresiona es la versatilidad de JID. Aquí pasa de bangers puros a momentos melódicos, incluso cantando, y no solo funciona, sino que añade un nuevo nivel a su discografía. Pistas como Gz o Karma muestran su capacidad de combinar técnica y agresividad, mientras que colaboraciones como la de Clipse en Community son una clase magistral de Hip Hop clásico con bluesy boom-bap, donde todos los versos son afilados a pesar de estar en bruto. También hay espacio para momentos más suaves y experimentales: Wholeheartedly con Ty Dolla $ign y 6lack, y la participación de Jessie Reyez, aportan un toque neo-soul y R&B alternativo que equilibra perfectamente la intensidad del disco.

A pesar de que algunas canciones, como las de Don Toliver o Baby Kia, suenan un poco fuera de lugar o sobreprocesadas, el álbum (que responde a una frase de la abuela de JID ante una noticia en la televisión) nunca pierde su cohesión. Es evidente que JID está explorando nuevos sonidos sin abandonar sus raíces sureñas ni su habilidad para construir temas que funcionen en vivo. God Does Like Ugly no intenta replicar el éxito de The Forever Story; es otra etapa en su vida y carrera, con referencias a la paternidad, la madurez y la aceptación de la imperfección como algo que nos hace humanos y bellos.

Metro Boomin Presents: A Futuristic Summa (Hosted by DJ Spinz), de Metro Boomin

A Futuristic Summa me llevó de inmediato a otra época del Hip Hop, una que ni siquiera he vivido, pero con una sensación fresca y sorprendentemente moderna. Desde el primer tema, se nota que Metro Boomin no solo ha querido rendir un homenaje al sonido “futuristic” del Atlanta de mediados de los 2000, sino que lo ha revitalizado esa sensación veraniega que nos invita a la evasión y a no pensar en problemas reales.

Metro Boomin es uno de los productores más famosos y relevantes de la escena en Estados Unidos, destacando como productor en el género Trap con algunos de los artistas más importantes del momento, pero aquí ofrece sus bases a artistas como J Money, Yung L.A., Young Dro o Roscoe Dash, que dan musicalmente lo mejor de cada uno como si intentaran definir una era, mientras los beats de Metro, Zaytoven y otros productores combinan lo clásico con toques modernos.

Lo que más me ha gustado de este disco es la sensación de diversión y ligereza que recorre todo el mixtape. Incluso artistas que normalmente no se asociarían a este sonido, como Waka Flocka y Quavo, sorprenden gratamente; sus intervenciones aquí son juguetonas, llenas de energía y encajan perfectamente en el revival que Metro trata de lograr.

La duración del mixtape, de cerca de 90 minutos, puede parecer exagerada, pero la variedad de bases y la sucesión de temazos mantienen la atención y la diversión durante casi todo el recorrido. Temas como I Want It All, Loose Screws, Stealing All The Swag o Slide destacan no solo por la producción, sino también por el entusiasmo contagioso de los artistas, haciendo que uno quiera poner el disco on repeat. Cada canción captura la esencia de esa era “futuristic”, pero con un pulido actual que demuestra el cuidado de Metro en cada detalle.

En definitiva, A Futuristic Summa no es solo un revival, es una celebración del sonido y de los artistas que lo hicieron grande, llevado a la actualidad con mucho estilo. Es divertido, brillante y entrañable: un mixtape que tanto los fans de la vieja escuela como los oyentes modernos pueden disfrutar. Para mí, es el mejor proyecto en solitario de Metro Boomin hasta ahora, y un recordatorio de por qué el “futuristic era” sigue siendo tan influyente y disfrutable.

HYPERYOUTH, de Joey Valence & Brae

HYPERYOUTH es una de esas obras que te sacan una sonrisa instantánea y te hacen moverte sin importar cómo haya sido tu día. Joey Valence & Brae ya me habían enganchado con singles como WASSUP con JPEGMAFIA y SEE U DANCE con Rebecca Black, pero el álbum completo supera cualquier expectativa. Desde el primer tema se nota que este dúo no está para bromas, aunque les encante la broma: su estilo East Coast, con rimas tipo boom bap y un toque hardcore, es tan divertido y enérgico que escuchar el disco entero es una fiesta continua, pero con capas de profundidad que van más allá de lo vacilón o lo gracioso. Canciones como PARTY’S OVER, LIVE RIGHT o MYSELF muestran un lado más introspectivo y reflexivo, recordándote que incluso entre tanta energía hay espacio para detenerse y pensar.

La producción del álbum es simplemente impecable. Ese aire nostálgico con samples perfectamente cortados, sintetizadores y líneas de bajo bien graves se combina con un rap energético y lleno de estilo más propio de los Beastie Boys que mantiene todo el conjunto bastante fresco. Cada canción tiene identidad propia, pero al mismo tiempo encaja perfectamente dentro del universo sonoro del álbum, lo que hace que los 44 minutos pasen volando. Es raro encontrar un disco donde prácticamente no haya un solo tema flojo, y este es uno de esos casos.

Lo que más me gusta de HYPERYOUTH es cómo logra equilibrar lo festivo y lo introspectivo. Puedes bailar y reírte con ellos en un momento, y al siguiente detenerte a pensar en las letras más personales y reflexivas. Es un debut en discográfica Major que mantiene intacta la esencia que los hizo destacar, pero que además los empuja a explorar nuevas ideas y sonidos que hacen honor al título del álbum.

RHODA, de Kal Banx

Escuchar RHODA, el debut de Kal Banx, ha sido toda una sorpresa y un placer que le debo tanto a Doechii, por la recomendación desde su perfil en Spotify, como a Audrey Nuna, porque a través de sus colaboraciones aquí y lo que me gustó Trench el año pasado mi algoritmo me mandó una segunda recomendación que ya no pude obviar.

Desde Dallas, Kal se presenta como rapero, cantante, compositor y productor, y en este álbum demuestra que domina cada uno de esos roles con soltura. La producción es uno de los aspectos más destacables: los beats son crudos y suaves a la vez, con un aire que recuerda a un “crispy fried chicken”, perfecto para acompañar un verano entre amigos. Se nota que Kal se divierte explorando distintos estilos y estructuras, combinando el Hip Hop sureño y las raíces de Texas con una producción más relajada, jazzy y con toques de la West Coast.

El álbum cuenta con un montón de colaboraciones destacables que elevan cada tema. Maxo Kream, Baby Tate o Yaikyn aportan personalidad y consistencia, y la química con Kal se nota en cada verso. La primera mitad del disco tiene un enfoque más enérgico y característico del rap sureño, mientras que la segunda parte se adentra en paisajes más relajados, jazzy y soul, ofreciendo un contraste muy agradable y manteniendo el interés durante todo el proyecto.

Lotus, de Little Simz

Lotus es posiblemente uno de los trabajos más intensos y personales de Little Simz hasta la fecha. Después de todo lo que ha vivido con la traición de su antiguo productor Inflo, no es de extrañar que este álbum sea tan agresivo, directo y emocional. Desde la primera pista, Simz no tiene miedo de confrontar la traición y la injusticia que ha debido de sufrir, y lo hace con un lirismo impecable y una claridad que parece casi terapéutica.

Lo que más me llama la atención es cómo combina esa furia y dolor con momentos de introspección y madurez que ya se vieron en Sometimes I Might Be Introvert. Temas como Lotus y Blood muestran su resiliencia y capacidad de transformar el sufrimiento en arte, mientras que canciones como Free o Young aportan un respiro más lúdico y nostálgico, equilibrando el peso emocional del álbum. La producción de Miles James, aunque diferente a la de Inflo, consigue acompañar perfectamente el estado de ánimo de cada pista, alternando entre percusiones intensas, guitarras acústicas y pianos suaves, y hasta incursiones puntuales en estilos punk o afrobeat con la presencia del casi siempre infalible Obongjayar.

Lo más impresionante es la manera en que Little Simz maneja su voz: siempre controlada, deliberada, dejando que cada palabra y cada respiración cuente. Lotus no es un álbum fácil, muchas texturas para un solo género: crudo, honesto y lleno de matices. Simz se consolida como una de las raperas más consistentes y visionarias de la actualidad. Es un álbum que exige atención y reflexión, y que recompensa con creces a quien se adentra en él.

Otras colaboraciones como la de Michael Kiwanuka, Sampha o Moonchild Sanelly enriquecen aún más la paleta sonora sin opacar su presencia.

Star Line, de Chance the Rapper

Me da la sensación, escuchando Star Line, que Chance the Rapper ha encontrado nuevamente su voz tras el tropiezo que supuso de The Big Day, a pesar de no ser este tampoco un álbum perfecto. Después de seis años de pausa, este disco es casi como un renacer en la carrera del rapero de Chicago: no es un cambio radical de estilo, sino un retorno a sus raíces, con letras más maduras, reflexivas y cargadas de intención. Desde los momentos introspectivos hasta los temas más duros, Chance demuestra que ha trabajado en su narrativa y en su capacidad de conectar con experiencias personales, sociales y familiares, y lo hace con una claridad y confianza que parecen auténticas.

La producción también es destacable: desde cortes más atmosféricos como Space & Time hasta explosiones de energía en Burn Ya Block o Drapetomania, el álbum equilibra variedad y cohesión. Las colaboraciones, de Joey Bada$$ a Jazmine Sullivan sin olvidarnos de Jamila Woods, aportan matices sin opacar su presencia.

Live Laugh Love, de Earl Sweatshirt

Por último, pero no por malo, termino con Live Laugh Love, un disco que me ha hecho apreciar de nuevo a Earl Sweatshirt, y debo decir que es, posiblemente, su mejor álbum desde Some Rap Songs. Desde el inicio con “gsw vs sac”, Earl nos sumerge en su universo abstracto y atmosférico, con samples psicodélicos y loops inquietantes que acompañan perfectamente su flow. La producción a cargo de colaboradores como Navy Blue y Black Noi$e es uno de los grandes aciertos del disco: cada instrumental, desde los violines de “Gamma (need the <3)” hasta los flautados de “Exhaust”, crea un escenario único donde la voz de Earl puede explorar distintos matices.

Lo que más me sorprende es la claridad y transparencia del proyecto: Earl suena más despreocupado en temas como “INFATUATION” y a la vez profundamente introspectivo en “Live”, mostrando su rango emocional con una naturalidad que antes se sentía más opaca. Aunque hay algunas canciones más breves o menos impactantes, la segunda mitad del álbum brilla con fuerza, combinando letras inteligentes, flow preciso y producción sobresaliente. Live Laugh Love es un producto sólido, con un Earl más dinámico, reflexivo y creativo que nunca.

La playlist

Termino este repaso a lo mejor del año con una playlist que contiene varias de las canciones aquí mencionadas, pero pensada para darte toda la energía necesaria para aguantar un día con alegría, que diría Leticia Sabater.

The entry Los mejores álbumes de Hip Hop de 2025 was first published in Muros de absenta.

Como lo lees, Three Days Grace acaba de publicar el octavo álbum de su trayectoria, titulado Alienation, el 22 de agosto de 2025 y lo hace por todo lo grande recuperando a su vocalista original, Adam Gontier, que abandonó la banda tras el lanzamiento de Transit of Venus en 2012 para empezar un proceso de desintoxicación, recuperación y puesta a punta psicológica que le permitiese volver a ser una persona mínimamente cabal y, poco después, crear grupos con otros famosos artistas canadienses del entorno Post-Grunge.

Lo sorprendente, más allá del regreso de Gontier, es cómo la banda ha recuperado a su anterior vocalista sin por ello castigar a su eficaz y fiel sustituto, Matt Walst —miembro hasta entonces de My Darkest Days y otrora hermano de Brad Walst, bajista de la banda—, evitando el feo, lo desagradecido que sería a ojos de todos y el debate público que por ejemplo tuvo lugar con La Oreja de Van Gogh tras el ¿anuncio? del abandono de Leire Martínez por el regreso de Amaia Montero como vocalista de la banda.

Los seguidores de Three Days Grace que no estábamos al día de las novedades de la banda más allá de las musicales, fuimos sorprendidos el 22 de noviembre de 2024 con el lanzamiento del single Mayday, que, ya desde los primeros segundos, recordaba sin ninguna duda al tema Animal I Have Become —del álbum One-X (2006)—. Este hecho, que tratándose de dos canciones de una misma banda no tendrían por qué llamar la atención de nadie, en este caso hizo que más de uno fuésemos a YouTube para comprobar si había vídeo y si esa voz que sonaba al inicio pertenecía al mismísimo Adam Gontier… y qué ilusión para el adolescente que fuimos cuando descubrimos que sí.

Vuelve Adam Gontier y con él el Hard Rock angustiante que dio fama a Three Days Grace

El single, que sirvió de presentación y anuncio de Alienation, no solo fue una grata sorpresa; fue, por encima de todo, el anuncio de un regreso que de repente resultaba mucho más interesante por el simple hecho de saber cómo iban a encajar dos posibles egos que han llevado a la banda por caminos algo diferentes en términos de temas a tratar e incluso de tono. Donde Adam Gontier era rabia y angustia Post-Grunge juvenil, Matt Walst era alguien con una inclinación más romántica de la angustia y que trajo elementos electrónicos al Hard Rock que empezaron a tocar una vez el Post-Grunge dejó de sonar fresco.

Lo cierto es que Gontier y Walst mantienen una química muy sólida, y no solo en Mayday, aunque aquí obviamente es mucho más notoria, con el tono vocal más agudo de Walst complementando maravillosamente la voz áspera de Adam. En prácticamente todas las canciones del álbum, que da inicio con todos los singles de adelanto —Dominate, Apologies, Mayday y Kill Me Fast— para que no quieras dejar de escuchar, sus voces aportan mucha energía a los estribillos que, entre Power Ballads y Hard Rock clásico, entrelazan melodías y riffs encantadoramente simples y pegadizos que recuerdan a los Three Days Grace de su primera etapa (o era).

Las letras, parece que con mayor peso autoral de Gontier aquí, vuelven de manera lógica, pero sobre todo natural, a la tendencia de la banda de ver las cosas con una perspectiva de “vaso medio lleno” en tiempos difíciles, pintando una imagen positiva que afirma que, aunque Three Days Grace o sus oyentes atravesemos momentos de incertidumbre, siempre nos apoyaremos mutuamente, en las buenas y en las malas.

Es un dulce amor fraternal, a pesar de tratar la alienación a lo largo de todas las canciones, más o menos enérgicas, melódicas  oapasionadas. Un álbum, este Alienation, que destaca en su vuelta a los orígenes gracias, también, al trasfondo que se vislumbra en el hecho de que el regreso de Gontier no implicase que la banda expulsara a Walst, sino que mantuviera a ambos miembros. Y creo que todo ese sentimiento se refleja tanto en Mayday como en el resto del álbum, donde cada miembro tiene su momento para brillar.

Three Days Grace ha vuelto y está en su mejor momento. ¡Brindemos por ello!

The entry Three Days Grace publica Alienation tras el regreso de Adam Gontier y la permanencia de Matt Walst (su sustituto desde 2013) was first published in Muros de absenta.

El arranque de julio en Madrid tuvo un acento muy especial: The Roots regresaron a España para actuar en el marco de Noches del Botánico 2025, uno de los festivales más singulares del verano. La cita fue el 1 de julio, en el Real Jardín Botánico Alfonso XIII, con la participación de Tori Kelly como artista invitada.

El evento estaba programado finalmente para las 20:45 horas y, en el momento del concierto de The Roots ya anocheciendo, congregó a un público variado que, incomprensiblemente para mí, no llenó el recinto, desde seguidores veteranos del hip hop hasta oyentes que reconocen a la banda por su papel como formación residente en el programa de televisión The Tonight Show de Jimmy Fallon.

19:30 h – Apertura del recinto

20:15 h – Tori Kelly

21:45 h – The Roots

La complicidad con Tori Kelly como previo a The Roots

Pero antes del concierto que todos esperábamos, la velada dio comienzo con la actuación de Tori Kelly, cuya propuesta pop-soul contrastó y a la vez se integró en el ambiente del festival aquel día. Su presencia, que fue corta y no muy seguida, funcionó como un aperitivo elegante antes de la descarga rítmica de The Roots, generando un contraste estilístico que el público supo agradecer especialmente tras la versión de A Thousand Miles de Vanessa Carlton.

The Roots, un directo que trasciende el hip hop

Lo que distingue a The Roots sobre el escenario es su capacidad para llevar el hip hop más allá de las bases pregrabadas: batería, bajo, guitarra, teclados y metales conforman un sonido en vivo que oscila entre el funk, el jazz y el soul, sin perder nunca el pulso rapero. En Madrid, esa energía se desplegó con fuerza, recordando por qué el grupo liderado por Questlove (batería) y Black Thought (voz) es considerado una de las mejores bandas de directo de su generación.

El repertorio navegó por clásicos de su trayectoria, con momentos de improvisación instrumental que conectaron con la calidez del entorno y con una serie de versiones de grandes clásicos de otros que, en suma, permitieron escuchar todo su repertorio musical prácticamente como si fuera una única canción perfectamente unificada. Y eso, en un marco tan incomparable como el jardín botánico e iluminado en una noche de verano madrileña que esperó a que terminara el concierto para explotar a llover, potenció la experiencia sensorial tanto como la música.

La intensidad de un show irrepetible

Durante casi dos horas de concierto, la banda ofreció un despliegue instrumental desbordante: funk, hip hop, soul y jazz en una fusión que solo ellos dominan. Los músicos entraban y salían del escenario como si formaran parte de una coreografía invisible, y cada uno de ellos, desde el bajista hasta la sección de metales, lograba acaparar la atención del público con su virtuosismo y carisma.

El propio Facu Díaz, que comentó la experiencia en su programa Buenos días in the morning al día siguiente, resumió el sentir general con palabras que resumen la magnitud del evento:

«Me arrepentiría toda la vida de no haber estado en este concierto. Fue uno de los mejores de mi vida. Uno de esos en los que sales con la sensación de haber vivido algo verdaderamente especial.»

Díaz, como es comprensible dado lo vivido, también subrayó el timing casi cinematográfico de la lluvia, que irrumpió justo en los últimos compases del concierto, aportando una carga emocional inesperada. Y añadió:

«The Roots son los ídolos de nuestros ídolos. Si te gustan las bandas de funk, soul o jazz contemporáneo, ayer vimos a los padres de toda esa movida. Son espectaculares, hacen contigo lo que quieren, y cada músico hipnotiza un rato.»

Los ídolos de nuestros ídolos

Ese es, probablemente, el mayor valor de The Roots en 2025: su papel como raíz de gran parte de la música negra moderna. Verlos en directo es comprender cómo el hip hop se convierte en músculo instrumental, sin necesidad de grandes artificios digitales.

La banda mantuvo la intensidad sin apenas pausas durante casi 120 minutos que, lejos de resultar excesivos, se hicieron cortos para quienes estábamos en el jardín botánico. Como decía Facu Díaz en su análisis, «es un no parar, parece que entra gente a tomar algo en el escenario, y todos son tan buenos que no puedes decidir a quién mirar».

Y una noche para la historia

Ver vídeo a partir del minuto 7:00.

La jornada concluyó hacia las 23:30, hora límite entre semana para los conciertos del festival. Pero lo que quedó grabado en los asistentes fue la certeza de haber vivido algo irrepetible. La complicidad de la banda, la entrega del público y el marco natural de Noches del Botánico se alinearon para convertir el 1 de julio en un hito musical de 2025.

Un festival que ya es tradición y de los pocos que traen artistas que, de otro modo, puede que nunca llegásemos a ver por España, en definitiva.

El paso de The Roots por Noches del Botánico refuerza la línea del festival de atraer nombres de peso internacional en un entorno íntimo y cuidado. La edición de 2025 contó con artistas de la talla de Santana, Chaka Khan o Morrissey, así como artistas actuales como Parcels o nombres como Max Richter, por lo que la presencia de The Roots subrayó ese eclecticismo.

El concierto de The Roots en Madrid fue una celebración de la música en directo como experiencia colectiva. En un mundo donde muchos directos se apoyan en lo digital, ellos demostraron que el hip hop puede ser puro músculo instrumental y conexión humana, donde los bailes y el movimiento son también parte de la experiencia. Quienes asistimos vivimos no solo un espectáculo, sino una sacudida de historia musical en vivo.

The entry The Roots ofrece un conciertazo inolvidable en las Noches del Botánico de Madrid (1/7/2025) was first published in Muros de absenta.

La música popular del siglo XX es una historia de revolución y de cambio. Desde la dulzura del doo-wop y el jazz vocal de los años 50, pasando por la explosión rock y soul de los 60, hasta el estallido de creatividad sonora de los 70, 80 y 90, cada década ha dejado canciones inolvidables.

Eso es justo lo que intento recoger en esta playlist con las mejores canciones de la historia disponible en Spotify y Tidal con el título “Best songs of all time (50s, 60s, 70s, 80s, 90s) / Música de los 50, 60, 70, 80 y 90 en inglés”.

Te invito a explorarla a través de cinco décadas clave —los años 50, 60, 70, 80 y 90: el conjunto del periodo 1950-1999— con más de 3000 canciones, datos y curiosidades sobre los artistas que más brillaron en cada etapa.

Años 50: el despertar del pop y el rock

Los 50 fueron una bisagra entre el jazz y el blues y el nuevo rock & roll. Fue una era de crooners, pero también del nacimiento de rebeldías sonoras. El mundo musical vivió un cambio radical, al tiempo que las voces clásicas del pop mantuvieron su peso emocional.

Los artistas más presentes en la playlist de los 50

• Elvis Presley lidera la década con 7 canciones incluidas en la playlist. Su magnetismo y su voz marcaron un antes y un después.

• Louis Prima y Louis Armstrong, con 5 y 4 canciones respectivamente, reflejan la vitalidad del jazz y el swing.

• Nombres como Ella Fitzgerald, Frank Sinatra, Chuck Berry o Johnny Cash también aparecen, cada uno con 2 o más canciones.

Dato curioso: Muchos artistas de esta época aparecen también en listas posteriores. Su legado no fue fugaz: ayudaron a cimentar lo que vino después.

Años 60: revolución musical y cultural

Los 60 fueron una década de transformación cultural y sonora. El rock, el soul, el folk y el pop psicodélico definieron el espíritu de una generación.

Los artistas más presentes en la playlist de los 60

• The Beatles, con 25 canciones, no solo lideran la década, sino que son el fenómeno más dominante de toda la lista.

• Les siguen The Rolling Stones (10), The Beach Boys (9) y Bob Dylan (8), quienes representan la cara más innovadora del rock y el folk.

• También destacan figuras como Nina Simone, Frank Sinatra, Aretha Franklin, Otis Redding y The Doors, aportando diversidad estilística con soul, jazz, balada y psicodelia.

Años 70: diversidad sonora en expansión

El eclecticismo se apodera de la música en los 70. Nacen el glam, el funk, el punk, la música disco y el rock sinfónico.

Los artistas más presentes en la playlist de los 70

• David Bowie (12 canciones): el camaleón musical de la década.

• Stevie Wonder, Queen y ABBA (10 cada uno): genios del soul-pop, del rock teatral y del pop nórdico.

• También destacan Fleetwood Mac, Led Zeppelin, Elton John y Pink Floyd.

Esta bloque de la playlist tiene de todo: sintetizadores, guitarras, voces rotas y ritmos bailables.

Años 80: el auge del videoclip y el pop global

Los 80 fueron la era del videoclip, los sintetizadores, la estética colorida y la explosión del pop y el rock de estadios.

Los artistas más presentes en la playlist de los 80

• Queen y U2 (9 canciones): rock épico e himnos coreables.

• Michael Jackson, Duran Duran, Phil Collins, Iron Maiden (7 cada uno): pop, new wave y heavy metal, juntos pero no revueltos.

• The Cure, Madonna, Whitney Houston, David Bowie… también están muy presentes.

Si te gusta el sonido ochentero, esta parte te hará sentir que estás viendo la MTV en su mejor momento.

Años 90: hip hop, grunge y el último boom del pop

En los 90, el mainstream se vuelve más fragmentado. Surgen nuevos géneros y artistas con estéticas más personales.

Los artistas más presentes en la playlist de los 90

• 2Pac (15 canciones): símbolo del rap consciente y poético, destaca también por la presencia de Thug Life (3), no considerada como parte de la lista por ser un grupo creado por él, igual que Makaveli (3). Es decir: hablamos de más de 20 canciones en una sola década. Un auténtico hito.

• The Offspring (10), The Cranberries (9), Dr. Dre y Notorious B.I.G. (8): punk, alternativo y hip hop en estado puro.

• También destacan Nirvana, Blur, Madonna, Radiohead, Alanis Morissette, Björk o Pearl Jam.

El tramo noventero de la playlist es crudo, emocional, atrevido. Aquí la música se hace más personal y menos predecible.

Artistas con más canciones en toda la playlist (1950–1999)

Estos son los grandes titanes de la música del siglo XX, según su número de canciones incluidas en la playlist:

1. The Beatles – 27 canciones

2. Queen – 20

3. David Bowie – 18

4. Stevie Wonder – 17

5. The Rolling Stones – 17

6. 2Pac – 15 (o 21 con Makaveli y Thug Life)

7. Elvis Presley – 15

8. Michael Jackson – 15

9. Elton John – 14

10. Bob Dylan – 13

También están muy presentes nombres como ABBA, Fleetwood Mac, U2, The Beach Boys, The Who y Frank Sinatra, lo que asegura la amplitud de estilos reunidos: desde el pop y rock hasta el funk, el hip hop y la electrónica.

Esta playlist no solo recoge canciones que marcaron su época. Reúne a los artistas que ayudaron a escribir la historia de la música moderna. Nadie representa mejor la evolución de la música moderna que estos artistas. Cada uno con su estilo, marcaron a todo tipo de generaciones.

Fuentes del contenido

• Playlist en Spotify
• Playlist en Tidal
• Playlist en YouTube

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Steven Umoh, conocido artísticamente como Obongjayar, es un cantante nigeriano afincado en Londres con un enorme potencial por delante. Con su segundo álbum, Paradise Now, eso es lo que uno siente viendo que posiblemente es uno de los discos más interesantes, frescos y atractivos de lo que llevamos de año.

Aunque inició su carrera musical hace más de 9 años, con el EP Home de 2016, mi encuentro con Obongjayar tuvo lugar en el año 2021, a través de su colaboración con la rapera inglesa Little Simz en Point and Kill, single perteneciente al álbum Sometimes I Might Be Introvert. Aquella canción, que era en su todo un temazo, se quedaba especialmente grabado por la forma de cantar el “estribillo” del por entonces para mí desconocido Obongjayar.

Desde entonces, lo cierto es que no tuve más conocimiento sobre él, aunque la canción había seguido sonando con asuididad en mi día a día. Así hasta que en octubre de 2024 llegó a mí, no sé si a través de algoritmos o de búsquedas online, Just My Luck. Aunque yo aún no lo sabía, estaba ante el primer single del próximo álbum de Obongjayar, que en realidad no llamó demasiado mi atención entonces más allá de formar parte de mi playlist del momento.

Fue en realidad con el lanzamiento de los dos singles siguientes, Not In Surrender en marzo y sobre todo con Sweet Danger en abril de 2025, cuando de verdad pensé en que me sonaba demasiado aquella voz, aquella forma de cantar y hasta la producción, encajando todo ello con el estribillo de Point and Kill.

El inclasificable Obongjayar: entre el R&B, el alté y la electrónica

Si algo define a Obongjayar, incluso desde su primer EP (escuchado ahora), es su resistencia a encajar en una sola etiqueta. Su voz rasposa, de tonos agudos casi susurrados pero rítmicos, es inconfundible, y lo mismo puede adaptarse a un beat minimalista de grime que a una base con tintes afrobeat o soul.

En Paradise Now, ese eclecticismo suena maduro y en el conjunto del álbum hay una coherencia sonora que permite abrazar los diferentes tonos. Es un álbum que no teme romper la linealidad de los géneros, sino que construye un lenguaje propio a partir de múltiples influencias.

El resultado es un trabajo que a veces recuerda a los experimentos de Blood Orange, el groove oscuro de Tricky o incluso a momentos más introspectivos de Burna Boy, pero siempre con un sello profundamente personal y sobre todo mucho más alegre y positivo que cualquiera de esos ejemplos.

Producción, letras y carácter de Paradise Now

Gran parte de la fuerza del álbum proviene de una producción inteligente y atmosférica, que nunca recarga pero tampoco se queda corta a la hora de acercarnos a cada tema (la mayoría de ellos de unos 3 minutos de duración). El equilibrio entre percusión orgánica, sintetizadores discretos y efectos vocales que aportan textura en lugar de artificio es notable.

Just My Luck, por ejemplo, construye un crescendo casi imperceptible que desemboca en un estribillo melódico pero contenido, que en realidad a mí personalmente me pone muy contento. En Not In Surrender, por otro lado, Obongjayar apuesta por una base más directa, casi bailable, sin abandonar ese tono melancólico que sobrevuela todo el disco.

Cada canción parece tener su propio microclima, sin perder el hilo común que las une: una cierta espiritualidad secular, como si todas formaran parte de una conversación íntima con uno mismo sobre el deseo, la esperanza, la rabia y la pérdida.

En Paradise Now, sus letras abordan temas universales como la identidad, la lucha interna, la herencia cultural o la vulnerabilidad afectiva, todo desde una perspectiva sincera y sin artificios.

En Sweet Danger, por ejemplo, hay una reflexión implícita sobre el riesgo que conlleva amar en un mundo que constantemente impone distancias, mientras que en Born In this Body, una de las canciones más delicadas del álbum, el artista se repliega en lo más personal.

Escuchar Paradise Now de principio a fin no es solo seguir una sucesión de buenas canciones: es recorrer un trayecto emocional, donde cada canción parece colocada en el lugar preciso. Hay una progresión sonora, pero también emocional.

Mis canciones preferidas

De mis canciones favoritas del álbum, destaco por ahora It’s Time, Holy Mountain, Talk Olympics, que trae de vuelta el flow de Little Simz (quien a su vez volvió a colaborar con él y Moonchild Sanelly en el primer single de su nuevo álbum, Flood), Jellyfish, Born In this Body y por supuesto los tres primeros singles ya mencionados. Para ser un álbum de 15 canciones no está nada mal (16 en algunas ediciones).

Con Paradise Now, Obongjayar no solo confirma lo que sus primeras colaboraciones : que estamos ante un artista único, dueño de una visión musical muy personal, sino que lo lleva un paso más allá, articulando un disco compacto, rico en matices, pero accesible.

En un panorama donde lo experimental a menudo se confunde con lo caótico, y lo emocional con lo cursi, este álbum encuentra el raro equilibrio entre ambos extremos. Su escucha deja una huella profunda, no por lo que grita, sino por lo que susurra con claridad.

Aunque no puedo demostrarlo, los “na na na na” de Sweet Danger en Paradise Now me recuerdan tanto al estilo distintivo de cantar de Moonchild Sanelly, que me la quiero jugar diciendo que es ella. Si es así, existe un trío de cantantes que este año se han juntado varias veces y nos han dado en 6 meses tres de los mejores álbumes de 2025 hasta el momento, cada cual más diferente que el anterior.

The entry Obongjayar publica Paradise Now y aquí tienes su reseña was first published in Muros de absenta.

En un tiempo en que la música está al alcance de un clic pero la atención es más escasa que nunca, me propuse un reto: construir un recopilatorio que no fuera simplemente una lista de canciones, sino un viaje. Una odisea sonora. Una historia que se desplegara a lo largo de discos como si cada uno fuese un capítulo con su propia personalidad, su género, su geografía emocional.

Este proyecto, por llamarlo de alguna manera nació hace más de 20 años como algo que hacíamos mi hermano y yo para nosotros mismos siempre que considerábamos que teníamos un buen material entre manos para grabar en CD y escuchar en su coche. Inicialmente, a estos recopilatorios los llamamos “La Tira”, pues así llamó nuestro padre a la primera descarga de música que hizo con internet (a través de FTPs abiertos en la red, antes de Napster o de eMule).

Posteriormente con el título mucho más obvio “Varios”, dedicado casi por completo al rock de ese momento (abarcando desde Limp Bizkit a The Offspring). Con los años, aumentó el número de géneros, el número de canciones y artistas y la cosa se llegó a ir un poco de madre (“Special Mix”, con el boom del post-punk moderno y la nueva new wave, “POP”, etc.) hasta llegar a la actualidad, donde todo se aglutina en dos: el “Varios Mix” y el “YO!”, este último dedicado por entero a la música negra y el primero como un buen cajón de sastre para todo lo demás.

Desde que la lista de canciones en ordenador pasó a ser individual, he llevado esta obsesiva necesidad de ordenar el caos musical a un punto medio: resumir el año musical cuando este acabe. Es decir, recoger lo mejor y más significativo de los últimos 365 días de escuchas y descubrimientos (entre los cuales puede estar alguna canción lanzada en años anteriores) y organizarlo en una experiencia coherente.

A través de 6 “Varios Mix” y 10 “YO!” (cada uno de menos de 1 hora y 20 de duración). Un total de 365 canciones (que no he delimitado a ese número a propósito) intentando crear un viaje musical natural, de transiciones orgánicas y en la que los sonidos y las letras evoquen desde lo introspectivo hasta lo visceral, del susurro al alarido, del pop queer al afrobeats o del indie confesional al trap más vanguardista.

En resumen

Este recopilatorio no pretende ser definitivo, pero sí significativo de lo que ha sido la música en 2024. Es una cartografía personal de lo que me ha gustado, sorprendido, empujado a bailar, a convertir la rabia en energía, a pensar. Cada canción, más famosa o menos, es una invitación a descubrir, a conectar, a escuchar sin prejuicios.

Espero que, si has llegado hasta aquí, te guste lo que has encontrado.

Crónicas musicales de 2024: una historia contada en canciones

Hay algo especial en hacer balance del año cuando ha terminado, como si uno pudiera atrapar entre las manos la esencia de un tiempo aún en marcha, al menos en el recuerdo. Eso es lo que pretendo con este recopilatorio o playlist disponible en Spotify, Tidal y YouTube: capturar la temperatura emocional de 2024 a través de una secuencia de canciones cuidadosamente escogidas.

No se trata de una selección de éxitos ni de un reflejo estadístico de lo más escuchado, sino de una escucha personal que desde lo ínitmo se convierte en narrativa, donde cada pista encadena un estado de ánimo, una imagen o una inquietud compartida. O eso es lo que me gustaría transmitir.

De lo íntimo a lo expansivo

El punto de partida lo marcan artistas como Chappell Roan, Nemahsis, Girl in Red y Bartees Strange. Voces que cuentan historias personales, que arrastran sentimientos a flor de piel, que confiesan antes de cantar. Hay una sensibilidad queer, honesta, a veces dolorosa, a veces empoderadora. Desde la dulzura rítmica de “Good Luck, Babe!” hasta el peso espiritual de “Old Body, New Mind”, se traza una línea de vulnerabilidad muy interesante.

A medida que avanza el primer disco, por llamarlo así, la paleta sonora se expande: aparecen texturas digitales, sintetizadores, distorsiones. Sofi Tukker, Mura Masa, Charli XCX y Magdalena Bay transportan a paisajes electrónicos donde el cuerpo empieza a tomar el control. La pista de baile no es solo un lugar para evadir, sino para reivindicar.

Ruido, rabia y catarsis

Llegan luego los momentos de guitarras, de gritos y de furia estructurada. Linkin Park, Bring Me The Horizon, The Warning o Dead Poet Society canalizan una frustración contemporánea que muchas veces no encuentra palabras, pero que la distorsión traduce perfectamente a las emociones del oyente. Es música que sangra, que sacude, que pide saltar aunque sea desde la desesperanza.

Esta parte del recopilatorio no busca solo agresividad, sino también catarsis. Encontrar la belleza en lo salvaje. Y a pesar de su intensidad, también intento no perder la narrativa: de nuevo, el paso de un tema a otro está pensado para que haya fluidez, como quien cambia de escena en una película.

Una pausa contemplativa

Pero no todo es intensidad. También hay momentos para detenerse, para observar. Con Maggie Rogers, Adrianne Lenker, Bright Eyes o Sam Fender, la música se vuelve paisaje y compañía. No exige nada, solo invita a estar. Hay en estas canciones existe una obvia sensibilidad folk-pop, también respira en ellas cierto tono cinematográfico, como si estuviéramos viendo la vida pasar desde una ventana mientras llueve.

Este bloque es también un tributo a la introspección bien hecha, donde la melancolía no es vacía, sino útil. Donde el amor, la pérdida y el deseo no son solo temas, sino detonantes emocionales.

Un mundo que se ensancha

La segunda mitad de esta playlist (una vez termina el “Varios Mix” y empieza el “YO!”) se convierte en cierto modo en un manifiesto de la diversidad global que hay en la música. A través de ritmos afrobeats, amapiano, caribeños y pop de todo el mundo, aparecen artistas como Rema, Amaarae, Ayra Starr, Tyla o Aya Nakamura. Voces que no suelen estar en las listas más visibles pero que definen el presente sonoro de 2024.

El cambio de idioma, los acentos, las fusiones inesperadas no buscan ser una celebración de lo híbrido, pero lo son. Hay orgullo cultural, hay ritmos que obligan al movimiento, hay colaboraciones que rompen fronteras (Shenseea con Coi Leray, Stefflon Don con Sidhu Moose Wala). Esta parte del viaje es pura vitalidad, si me preguntan.

El verbo como arma

Hay también una buena parte de la playlist dedicada al liricismo, al hip hop más clásico y al más moderno, donde se cruzan Kendrick Lamar, SZA, Common, Doechii, Little Simz, Eminem, Ghostface Killah y muchos más. Es un bloque denso, no solo en palabras, sino en ideas.

Este momento del recopilatorio es casi como leer un ensayo. Las canciones reflexionan sobre racialidad, fama, trauma, autoestima, política y paternidad. Es un disco para escuchar con los auriculares puestos y la mente abierta.

El final como estallido

Los últimos discos son una explosión: trap, hyperpop, latin urbano, colaboraciones improbables, nuevos flows y estructuras. Megan Thee Stallion, Ice Spice, Tyler, The Creator, entre muchos otros, toman el control. Hay provocación, hay juego, hay actitud. La música se vuelve carne, ruido, velocidad.

Y como colofón, un bloque final de fusiones asiáticas, latinoamericanas y underground que recuerda que el futuro de la música ya está teniendo lugar fuera de los lugares comunes del pop. Con Awich, Snow Tha Product, XG, Ca7riel y Paco Amoroso, entre otros, la playlist termina donde todo empieza: en lo inesperado.

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​”Sleepyhead 2025″ es una versión reimaginada de la icónica canción “Sleepyhead” de Passion Pit, lanzada en 2008 como parte del álbum “Chunk of Change”, donde también se podía encontrar “Cuddle Fuddle”. Esta nueva interpretación es fruto de la colaboración entre Passion Pit y el dúo electrónico SOFI TUKKER. La canción conserva el inolvidable coro y la muestra vocal de la original, fusionándolos con el característico sonido electrónico de SOFI TUKKER. 

Tucker Halpern, integrante de SOFI TUKKER, expresó su entusiasmo por esta colaboración, mencionando que “Sleepyhead” fue una de sus canciones favoritas durante el instituto y que marcó momentos clave con sus amigos en Boston. Tras conocer a Michael Angelakos de Passion Pit y conectar instantáneamente, decidieron revivir la canción en 2025 para una nueva generación. Halpern señaló: “No queríamos cambiar demasiado la dirección de la canción, solo modernizarla y llevarla sonoramente al mundo de SOFI TUKKER”. ​

“Sleepyhead 2025” también marca un hito para el sello discográfico de SOFI TUKKER, Animal Talk Records. Halpern explicó que relanzar Animal Talk con esta canción es emocionante y que están ansiosos por compartir más proyectos que tienen preparados para 2025.

La canción está disponible en todas las plataformas musicales.

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