Embora pessoalmente ache que irei destacar ou recordar 2024 em termos musicais como o ano de Macklemore –ousando denunciar o genocídio de Israel na Palestina e a total cumplicidade dos Estados Unidos durante os protestos universitários com HIND’S HALL e HIND’S HALL 2 (juntamente com Anees, MC Abdul, & Amer Zahr)–, é impossível não pensar no californiano Kendrick Lamar como o artista do momento mesmo entre quem não escuta rap.

E não deixa de surpreender, porque acredito sinceramente que ninguém esperava que 2024 fosse recordado como o ano de Kendrick Lamar. Para além da sua colaboração com Future e Metro Boomin’ na música Like That (do álbum WE DON’T TRUST YOU), o fim do ciclo que Mr. Morale & The Big Steppers representaram em 2022 deixou muitos de nós com vontade de saber o que viria a seguir, mas de certa forma saciados.

Mr. Morale & The Big Steppers: um fim que marcou o início de uma nova etapa

Com este álbum terminou o contrato e a colaboração profissional com Top Dawg Entertainment, por exemplo. Ao mesmo tempo, o título e o conceito convidaram-nos a conhecer dois alter-egos do rapper enquanto artista e enquanto pessoa. Um fecho com uma produção que parecia sublimar todos os trabalhos anteriores. Samples cuidados, elementos mais típicos do jazz e um estilo calmo na maioria dos casos para contrastar com a urgência do cantor noutros momentos, por vezes da mesma música (como esquecer a colaboração de Sampha em Father Time ou Amanda Reifer em Die Hard).

A sensação que tive depois de ouvir aquele álbum durante meses, tendo já sido um fiel seguidor de Lamar durante muitos anos, foi a de que se tinha mantido vazio. Dado o vazio que surge depois de retirar tudo, muitas vezes é difícil “recomeçar”, e talvez por isso não esperava ouvir dele nada de novo para além das habituais colaborações no rap e no trap. No entanto, a 16 de dezembro de 2024 posso dizer com segurança que Kendrick Lamar foi o artista de maior sucesso do ano, o que culminará na final do Super Bowl, onde se tornará o primeiro artista a atuar solo durante o intervalo do jogo.

O ano de Kendrick Lamar: sucesso indiscutível em 2024 “graças” a Drake

E, pelo menos em parte, tudo se deveu a Drake. Ou apesar dele. Não quero aprofundar muito sob o beef que tiveram, porque no fundo parece-me um disparate e mais do que tudo uma questão de egos, mas é verdade que é através desta batalha que Kendrick Lamar responde ao rapper canadiano que lidera a marca OVO (chave para compreender algumas das respostas do californiano) com novas músicas que, para além de contextualizarem a amizade passada de ambos (na qual J. Cole também esteve envolvido), servem para nos levar ao passo anterior antes da chegada do GNX (título do álbum tomado do carro Buick GNX editado em 1987, o mesmo ano de nascimento de Kendrick Lamar): Euphoria e, sobretudo, Not Like Us.

Porque Drake cometeu um grande erro, visto como se viu: atacar as origens de Kendrick Lamar e usar 2Pac –recriando a sua voz com inteligência artificial– para isso. A agitação nos EUA foi tal que até os herdeiros de 2Pac vieram dizer que se estavam a posicionar ao lado de Kendrick Lamar, a quem acreditavam que 2Pac respeitaria muito mais do que Drake, dada a sua carreira musical e posicionamento vital.

A resposta de Kendrick Lamar? A já referida Not Like Us. A canção do verão, do outono e do que quer que surja. Lançado inicialmente como um diss sem mais, teve tanto sucesso que Lamar publicou um vídeo meses depois e mesmo assim a sua música colocou-o entre um dos mais vistos do ano. Uma canção que serviu tanto para criticar Drake (chamando-lhe OV Ho e pedófilo pela sua relação com Millie Bobby Brown quando esta tinha 16 anos) como para homenagear a cultura popular da Costa Oeste em geral e de Compton em particular.

GNX: ou como Kendrick Lamar regressa às raízes do hip hop da Costa Oeste

E foi assim que chegámos ao GNX. Um álbum surpreendente porque rompe completamente com o trabalho anterior de Kendrick Lamar, tanto em termos de produção –aqui aparentemente mais básica, menos espectacular– como de temas –aqui, digamos mais enraizados, embora continue a oferecer o seu toque pessoal. É surpreendente, mais do que tudo, porque, para além de ter sido um álbum lançado de surpresa, sem aviso prévio, é como um verdadeiro início de carreira; fresco e que parece mesmo o início de uma nova etapa. Com uma produção muito mais simples e “clássica” (com samples dos anos 90 como o de Use Your Heart (1996), de SWV, para heart pt. 6), o rapper de Compton aproxima-se espiritualmente a The Documentary (2005) , de The Game.

Este “novo começo” está repleto de simbolismo. O título, GNX, pelo icónico Buick GNX, não só se liga ao ano de nascimento de Lamar, como também evoca uma sensação de velocidade, potência e nostalgia. É como se Lamar quisesse lembrar-se de onde veio enquanto avança em direção a um futuro desconhecido, mas emocionante. Este automóvel é um símbolo da sua carreira pessoal e artística? Ouvindo o álbum e não tendo nenhuma ideia sobre carros, aposto que sim, mas isso é obviamente uma suposição.

Mas ouvindo GNX, um fica-se com a sensação de que o beef com Drake é um catalisador que ajudou nesta nova direção. A “homenagem” ao hip hop da Costa Oeste que começou em Not Like Us continua nas 12 canções que compõem este álbum e destaca-se pela coerência temática e qualidade lírica.

Com um estilo calmo que transmite muita paz –man at the garden, luther ou gloria, as duas últimas com SZA– ou com uma raiva vocal mais típica do Gangsta rap ou do 2Pac –usando um sample do seu Made Nigazz em reincarnated– ou uma versão mais enérgica de si mesmo –tv off ou squabble up–, fica-se sempre com a sensação de ouvir Kendrick Lamar, o que confirma mais um álbum que é o melhor rapper da sua geração e, perante os factos, destes tempos que vivemos.

Em suma, embora GNX não se foque no conflito com Drake, parece ter sido fundamental para Lamar reavaliar a sua direção artística e isso é algo pelo qual devemos agradecer ao outro maluco. As críticas veladas e as homenagens implícitas às figuras de Compton/Califórnia reforçam a sensação de que Lamar está a traçar um caminho longe das disputas superficiais e em direção a um legado mais duradouro com um álbum que se destaca pela frescura e pela capacidade do artista em equilibrar a mistura do clássico e do moderno.

Seja pop ou rap, o seu flow e entrega são insuperáveis ​​neste momento, e nomes como Doechii estão cada vez mais perto do seu nível. Ligando ao início, diria que Macklemore se destacou pela sua coragem política e mensagem, enquanto Lamar se destacou pela sua mestria artística, demonstrando mais uma vez porque é considerado o melhor.

Em todo o caso: “I want a ceasefire/Fuck a response from Drake.”

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Depois de mastigar e digerir ME durante dois meses e tanto, tenho mais claro do que nunca que esta é uma das obras mais complexas de um dos diretores de cinema mais interessantes e singulares dos últimos tempos. Quase sempre existencialista, o cinema de Don Hertzfeldt parece aprofundar cada vez mais nas nossas cavidades finitas para refletir sobre o sentido da vida, transformando os detalhes mais triviais do cotidiano em momentos de humor puro — seja como premissa inicial ou como resultado — ou em cenas de estranha beleza e tristeza em igual medida. Sua visão do mundo, que não é única, transcendeu cinematograficamente de certa forma por ser mostrada com um estilo visual muito particular, mesmo dentro do cinema de animação — um meio que se destaca precisamente pela liberdade criativa e pelo potencial imaginativo que oferece —, mas também por uma espécie de dom narrativo, auditivo e criativo que, combinado com o anterior, levou ao fato de que, na maioria de seus filmes, nós, espectadores, nos abraçamos à vida em toda a sua deformidade.

A atenção aos detalhes e a atração pelo absurdo em It’s Such a Beautiful Day, que nos faz pensar na vida, não para sermos felizes, mas para vivê-la intensamente, como um estímulo à memória, apesar (ou, mais precisamente, cientes) de sua amargura, ou a mordaz, ocasionalmente taciturna e quase sempre luminosa World of Tomorrow (incluindo toda a trilogia — até agora —), que mostra um futuro fatalista repleto de possibilidades (que tanto assustam quanto fazem rir), sob a noção de que sentir tristeza nos faz estar mais vivos e sob a perspectiva alegre e ingênua da infância, são dois dos exemplos mais gratificantes de uma filmografia que passou por toda sorte de percalços e tribulações. Esses obstáculos foram tanto causa quanto consequência dos processos criativos e aprendizados técnicos que deram forma, por exemplo, à última “trilogia” mencionada e, claro, a ME.

Não podemos esquecer que o autor de curtas-metragens como Billy’s Balloon ou Rejected (há mais de 24 anos) começou a experimentar um tablet pela primeira vez em 2014, três anos depois que tanto ele quanto sua câmera de animação de quase 60 anos entraram em colapso, deixando como recordação uma série de flashes (involuntários) e vazamentos de luz que enriqueceram ainda mais a última das três partes que compõem It’s Such a Beautiful Day. Vazio, tanto de ideias quanto de ferramentas conhecidas, o exercício em um meio digital o ajudou a pensar no conceito de World of Tomorrow e lhe permitiu animar a primeira parte em tempo recorde, encaixando cada peça perfeitamente (incluindo os áudios sem roteiro de sua sobrinha de quatro anos) e de forma natural, o que não aconteceu ao começar a trabalhar na segunda parte. Porque, embora possa parecer pelo exemplo anterior, desenvolver uma ideia nem sempre é uma tarefa fácil. Ao imaginar World of Tomorrow Episode Two: The Burden of Other People’s Thoughts, Don Hertzfeldt quase se esqueceu da diversão que todo o processo criativo da primeira parte proporcionou (que incluía, como esta segunda parte, desenhar e folhear livros com sua sobrinha enquanto gravava sua voz). Aqui, esse desenvolvimento argumentativo voltou a ser um quebra-cabeça, especialmente quando ele percebeu que na segunda parte os áudios espontâneos de sua sobrinha, agora um ano mais velha, deixaram de ser reações curtas e expressivas (facilmente editáveis) e se transformaram em longos monólogos ininterruptos. Um monte de ideias selvagens e terras imaginárias que não se encaixavam na história que ele havia planejado escrever deram lugar, com a ajuda de sua sobrinha, a um experimento mais livre que, sendo assim, ainda se encaixava no imaginário da primeira parte.

E chegamos à terceira parte, World of Tomorrow Episode Three: The Absent Destinations of David Prime, chave para entender em parte ME. O próprio Don Hertzfeldt conta como, na animação tradicional “caseira” em que trabalhava, fazer a câmera se mover enquanto filmava era uma experiência cansativa, que incluía cálculos, giros manuais e diversas precauções para evitar que qualquer mínimo erro resultasse em horas de refilmagens, cena a cena. Para não complicar sua vida — assim ele mesmo descreve —, limitava-se a fazer alguns poucos zooms de vez em quando e a utilizar uma encenação plana e simples, o que também afetava as cores ou a “riqueza” dos cenários em seus filmes, aceitando o estranho destino de dirigi-los sem poder mover a câmera por 20 anos e recorrendo a outros recursos (como dividir o fotograma do filme para que os quadros dentro do fotograma pudessem se mover e ser manipulados). Com a transição para o ambiente digital, todos esses problemas desapareceram; era hora de romper velhos hábitos e recuperar o interesse por uma animação que o deixava exausto frequentemente. Para o Episódio 3, decidiu aprender alguns princípios básicos de direção que nunca havia conseguido aplicar em suas obras com as ferramentas que tinha à disposição. Embora limitado, a superação desse bloqueio mental inspirou grande parte da escrita deste curta-metragem e, por sua vez, representa o primeiro passo de Don Hertzfeldt fora do que ele chama de sua “fase de cinema mudo”, dando lugar a um filme mudo de verdade, ME, que é, ao mesmo tempo, um musical.

Em ME, Don Hertzfeldt opta por mudar um pouco de direção e, embora ainda seja inegavelmente observador e existencialista, ele se afasta um pouco mais do humor que o caracteriza e de questões como transcendência ou memória para mergulhar completamente na grandiosidade operística, na odisseia musical e na escuridão. Ele explora temas como trauma, tecnologia e o isolamento da humanidade em si mesma, tudo sob o guarda-chuva da arte como um elemento que deve ser sentido sem a necessidade de ser compreendido. Porque, embora seu novo filme continue a refletir sobre o sentido da nossa existência, aqui ele não quer se concentrar tanto no sentido da vida ou da morte (ou na ideia de que somos o que lembramos), nem de uma perspectiva metafísica, nem de uma mais terrena. Desta vez, em vez de deixar frases como “you will only get older”, “you’ve been dead before” ou “now is the envy of all of the dead” para a posteridade — e para o Tumblr —, ele decidiu criar um filme sem diálogos e, como em outras ocasiões, dar grande peso à música (aqui original), deixando nas mãos do espectador que diálogos deseja ter com sua obra e o significado dela. Que sejam eles que decidam, na maioria dos casos, o que estão vendo (ainda que, na minha opinião, isso sempre tenha sido assim).

ME é um projeto originalmente concebido como uma colaboração com uma famosa e respeitada banda musical que foi interrompida por uma série de acusações de abuso sexual contra um dos membros, levando Don Hertzfeldt a cancelar a ideia inicial e começar a desenvolver o projeto sozinho. Dizem por aí que a banda era Arcade Fire, já que, por datas mais ou menos próximas ao nascimento e posterior lançamento do filme, eles lançaram o álbum WE (cujas letras invertidas… ejem), e no formato físico pode-se ver, se você olhar com atenção, tanto um fotograma de World of Tomorrow quanto um desenho de um olho gigante com braços e pernas que parece ser obra do diretor e roteirista, e que se assemelha bastante ao que aparece em ME. Ao mesmo tempo que essas mudanças criativas ocorreram, após os possíveis atrasos (incluindo talvez os causados pela COVID, que também teve sua parcela de impacto) e as crises derivadas de ter meio projeto planejado (já que o álbum foi lançado em 2022), possivelmente até já desenvolvido e musicado com uma história adaptada às letras do álbum, tivemos, em 30 de novembro de 2022, o anúncio da chegada da inteligência artificial em nossas vidas, algo que afetou significativamente os artistas, embora também tenha afetado outras áreas. Até que ponto tudo isso influenciou o resultado final de ME? É impossível saber (a menos que o próprio autor nos conte), mas a existência dessa obra e o fato de podermos assisti-la e refletir sobre ela já valeram a pena.

A simplicidade visual de Don Hertzfeldt transcende, mais uma vez, em uma história que começa como uma autocrítica sombria e vulnerável e evolui para algo muito maior, como uma reflexão sobre a capacidade limitada da humanidade para a beleza e a capacidade ilimitada para o horror. Isso pode ser relacionado tanto ao momento em que vivemos quanto ao período de planejamento de ME — COVID, confinamentos, negacionismo, mortes aos montes, a economia, a saúde mental e outras consequências — ou a qualquer outro futuro possível. Inclui-se também a existência de Planeta Proibido como o embrião e a semente de ME em seu conjunto de preocupações sobre os segredos do universo, pensamentos sobre viagens pela vastidão dos oceanos siderais e o conhecimento — mesmo que seja do sofá —, os contrastes entre a vida efêmera e o infinito dos mundos, etc. Porque o presente, o passado e o futuro fazem parte do contexto que acompanha o lançamento de ME em 2024, que de certa forma sintetiza a bagunça deixada pela tragédia pandêmica, o fascismo crescente e o colapso tecnológico que, sem dúvida, caracterizou os últimos anos. Basta pensar nos milhões de dólares, euros e todo tipo de moedas prontos para investir e financiar grandes modelos de linguagem (conhecidos como LLM) que consomem milhares de recursos do planeta, além de ajudar a aquecê-lo ainda mais, ou na urgência dos ricos em viajar para outros planetas ou em visitar as ruínas do Titanic até implodirem. Bastava pensar nisso, eu dizia, para que alguém pudesse ver, no conjunto deste curta-metragem de 20 minutos, até uma reflexão sobre as repercussões dos avanços tecnológicos que surgem com a aparente pretensão de melhorar nossas vidas, que nos permitem manter conectados ou até nos tornarmos ricos investindo em criptomoedas, lavando dinheiro ou usando-as para transações relacionadas a várias ilegalidades, enquanto as graves consequências de sua utilização se tornam invisíveis ou excessivamente normalizadas.

Mas claro, faz tanto sentido pensar nessa interpretação quanto considerar outra opção, pois existe a possibilidade de que ME, em sua visão distópica do mundo, não perca relevância apesar da passagem do tempo e das mudanças que isso trará. Em primeiro lugar, porque sua montagem críptica e abstrata, que inclui uma boa dose de ficção científica, abre as portas para múltiplas interpretações, mas também porque parece que, na história da humanidade, sempre surgirão dilemas éticos derivados de um progresso que coloca o planeta em risco, desde o que foi usado para aniquilar milhões de pessoas em guerras ou genocídios, até outros avanços que desencadearam mudanças climáticas ou que constituem um risco para a saúde pública e o fim dos recursos existentes na Terra (essa Gaia agora muito mais tecnológica que também terminará por se apagar em algum momento). Mesmo em termos da perseguição e realização de sonhos pessoais no contexto neoliberal atual, que implica um compromisso total com eles, há margem para interpretação. Mais ainda, até no “não entendo” haverá mérito, porque, no não entender, muitas vezes há uma necessidade de analisar ainda mais um filme que, embora não esteja entre os mais bem acabados de Don Hertzfeldt, é completo à sua maneira e tem alguns momentos visuais e sonoros que permanecerão com você por um tempo, mesmo entre aqueles que acham que o significado “é óbvio demais”. Em qualquer caso, o próprio Hertzfeldt nos dá uma pista: não se trata do seu telefone.

Assisti e avaliei o ME com ★★★★ na quarta-feira, 12 de junho de 2024, no Centro de Cultura Contemporânea Condeduque, em Madrid.

Assistir ME de Don Hertzfeldt online

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Afrobeats é, nas palavras da cantora e compositora sul-africana Tyla, uma tendência para agrupar todos os artistas africanos sob um único nome. Ou seja: um rótulo para simplificar como um único género musical contemporâneo originário de África, especificamente da Nigéria e do Gana, qualquer género próximo do pop que surgiu no maior continente do mundo, entre o final dos anos 2000 e o início dos anos 2010. Este estilo musical é uma fusão eclética que incorpora elementos de dancehall, hip hop, R&B, funk, música eletrónica e vários estilos musicais tradicionais africanos, como highlife e fuji.

A música Afrobeats tornou-se popular nos últimos anos, em grande parte graças a artistas como Wizkid, Burna Boy, Davido, Tiwa Savage e Mr Eazi, que trouxeram este som para o panorama musical global. Dadas as suas origens e alcance global, é um “género” que celebra a diversidade da música africana ao mesmo tempo que é influenciado por uma mistura de culturas globais, tornando-o acessível e apelativo para públicos de todo o mundo.

Diferenças entre Afrobeat e Afrobeats

Embora ambos os termos soem semelhantes e partilhem raízes africanas, existem diferenças significativas entre Afrobeat e Afrobeats, ao mesmo tempo que estas diferenças podem ser devidas à simplificação por outras culturas (os Estados Unidos e a Europa principalmente) da música pop africana, que tem muitos géneros musicais e nenhum deles seria Afrobeats (e sim, no entanto, Rumba, Highlife, Makosa, Mapouka, Amapiano, Jazz, Juju ou Fuji).

Origens e pioneiros

Afrobeat

O Afrobeat foi criado por Fela Kuti na década de 1960. Este género funde música tradicional africana, jazz, highlife, funk e cha-cha-cha cubano. Fela Kuti utilizou o Afrobeat como ferramenta de protesto social e político. As suas letras eram frequentemente críticas ao governo e às políticas coloniais na Nigéria e em África em geral.

Afrobeats

Como disse no início, o Afrobeats nasceu no final dos anos 2000 e início dos anos 2010 como uma mistura de vários estilos de música negra contemporânea como o hip-hop, o dancehall ou a música eletrónica. Ao contrário do Afrobeat, o Afrobeats não é utilizado principalmente como meio de protesto, mas sim como música festiva e destinada ao puro entretenimento.

Na verdade, o termo Afrobeats foi criado no Reino Unido pelo DJ Abrantee, de Londres. Para alguns especialistas, trata-se de um neologismo reducionista que se difundiu nos media internacionais e que oferece uma forma estrangeira e conveniente de classificar a música popular africana, quando na realidade é mais uma revisão do Afrobeat original, mas no século XXI, trocando as influências dos anos 60 e 70 pelas influências do rap ocidental e da música pop contemporânea do Gana e da Nigéria.

Em todo o caso, encontrará sempre artistas com um objectivo mais empenhado nesse sentido, embora a dança ou a vontade de ser feliz sejam também, à sua maneira, uma forma de luta social.

Som e composição

Afrobeat

O Afrobeat tem uma estrutura musical complexa com longas passagens instrumentais, solos de saxofone e trompete e padrões de bateria polirrítmicos. É conhecido pelo uso de big bands com secções de metais proeminentes.

Afrobeats

O Afrobeats tende a ser mais curto, com estruturas musicais mais convencionais (verso-refrão-verso), utilizam sintetizadores, produção digital e ritmos cativantes e fáceis de dançar.

No entanto, aqueles que defendem que o Afrobeats é uma forma genérica de se referir a toda a música pop africana feita por africanos defendem o seu argumento com base no facto de não existir uma percussão musical específica que defina o som, ao contrário do Afrobeat, onde existe.

É, em suma, um género sobretudo vocacionado para o consumo de massas, mainstream, agradável e, de certa forma, estival. Daquele tipo que te refresca nos períodos mais quentes. As letras, como no rap ou no R&B, focam-se geralmente em temas de festa, amor, noturnidade e algo gangsta.

Influência cultural

Afrobeat

O Afrobeat está profundamente enraizado na cultura política e social da Nigéria e da África Ocidental. É um reflexo da luta contra a opressão e a corrupção.

Afrobeats

O Afrobeats representa uma nova geração de africanos globalmente conectados. Abrange temas mais ligeiros e tem uma influência mais visível da música ocidental moderna.

Playlist com músicas recomendadas de Afrobeats

Para mergulhar no mundo dos Afrobeats, deixo-vos uma playlist Spotify que criei para a ocasião e que inclui principalmente músicas lançadas entre 2020 e 2024 por artistas africanos e de origem africana, pois, como se trata de um género que é tornando-se cada vez mais popular, consolidou-se fortemente em países como França, Brasil ou mesmo em Itália com Mahmood em Ra Ta Ta e em Espanha com pessoas como Hard GZ em Afrohard ou como Afrojuice 195 e o seu hit José Mourinho, ainda que na forma de Afro trap, cujos ritmos são influenciados principalmente por géneros musicais africanos como o coupé-décalé, soukous e Afrobeats.

Tenha-se em conta depoius de tudo que, enquanto género que agrupa géneros, o Afrobeats oferece uma amálgama de oportunidades musicais que reúne em si uma infinidade de estilos que combinam a sua sonoridade e os seus ritmos descontraídos e melódicos com elementos importantes de géneros reais como o Amapiano, o Alté ou o Afropiano, que podem variar por ter sons mais exuberantes, jazzísticos e descontraídos que muitas vezes incluem ligeiros acordes de piano.

Como o dancehall e o reggae são dois géneros influentes no desenvolvimento dos Afrobeats, há também uma mistura tropical no final que evita limitar a seleção de música em alguns casos e também encontrará alguns artistas de origem jamaicana.

Para além de artistas como Asake, Amaarae, Rema ou Ayra Starr, gostaria também de destacar aqui algumas músicas e artistas recomendados que refletem a diversidade e riqueza do género:

• Wizkid – “Ojuelegba”. Esta música é considerada um clássico dentro do Afrobeats e ajudou a popularizar o género a nível mundial. É uma homenagem à experiência de crescer em Lagos, na Nigéria.
• Burna Boy – “Ye”. Uma mistura de ritmos tradicionais africanos com um toque moderno, esta música é mais um exemplo do estilo único de Burna Boy e da capacidade de fundir géneros.
• Davido – “Fall”. Este single ajudou Davido a ganhar reconhecimento fora do seu país com o seu cativante refrão.
• Tiwa Savage – “All Over”. Uma das principais vozes femininas do Afrobeats, Tiwa Savage mostra a sua personalidade na mistura de influências africanas e ocidentais.
• Mr Eazi – “Leg Over”. Uma faixa que combina os ritmos suaves do highlife com as vibrações modernas do Afrobeats.

A importância da dança no Afrobeats

O Afrobeats evoluiu para se tornar um género predominante em todo o mundo. A mistura de ritmos tradicionais e modernos, com raízes profundas, mas ao mesmo tempo jovens, diversos e dinâmicos, tem dado origem a toda uma relação de elementos diversos que convergem num só.

Porque o Afrobeats é um fenómeno cultural que influenciou profundamente a dança contemporânea com uma expressividade corporal ilimitada. As coreografias de Afrobeats são cheias de energia (que é transmitida), incorporando muitas vezes movimentos que refletem o estilo urbano tradicional africano.

Estilos de dança mais populares

Alguns dos estilos de dança Afrobeats mais reconhecidos e especialmente muito rítmicos são o “Amapiano”, “Shaku Shaku”, “Zanku”, “Gwara Gwara” e o “Azonto”. Estes passos são normalmente vibrantes, utilizando bastante movimento dos pés, das mãos e do tronco, e são pensados ​​para serem executados tanto por bailarinos profissionais (em coreografias) como pelo público em geral em discotecas e festas.

Impacto na cultura popular a nível global

Estes estilos de dança transcenderam África, encontrando o seu caminho em vídeos musicais de artistas famosos em plataformas de redes sociais como TikTok e Instagram, e em competições internacionais de dança. Construíram uma ponte cultural entre África e o resto do mundo, demonstrando a universalidade da alegria e da expressão através da dança.

A controvérsia de Burna Boy sobre a identidade africana e os afro-americanos

Para terminar este artigo sobre o Afrobeats, queria falar sobre uma das principais polémicas em que Burna Boy se viu envolvido nos Estados Unidos, relacionada com os seus comentários sobre a identidade africana e a relação entre africanos e afro-americanos. Em várias entrevistas, Burna Boy fez declarações sobre como os afro-americanos deveriam reconectar-se com as suas raízes africanas e discutiu questões de identidade e herança cultural.

Numa entrevista de 2020 ao programa de rádio “The Breakfast Club”, Burna Boy falou sobre, entre muitas outras coisas, a desconexão entre os afro-americanos e a sua história africana, sugerindo que os afro-americanos têm sido “desligados das suas raízes”. Estas declarações geraram uma resposta mista; alguns apoiaram-no por encorajar a reflexão sobre a ligação entre a diáspora africana e os afro-americanos, enquanto outros o criticaram pelo que consideraram ser uma falta de sensibilidade para com a experiência única e complexa dos afro-americanos.

Ao mesmo tempo, alguns críticos nos Estados Unidos acusaram Burna Boy de se apropriar dos estilos musicais afro-americanos sem reconhecer plenamente as influências ou colaborar com os artistas da mesma forma que deseja que a música africana seja reconhecida.

Estas críticas têm feito parte de um debate mais amplo sobre a apropriação cultural, a autenticidade e como as influências musicais coexistem e emergem em diferentes culturas dentro de géneros musicais que chegam a todo o mundo.

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Pongo, a artista angolana que se destacou na cena Kuduro em 2008 colaborando com os Buraka Som Sistema na música “Kalemba (Wegue Wegue)”, então com o nome artístico de PongoLove, lançou o seu novo single “Katana” em Junho de 2024.

A canção, que marca o regresso da cantora após o álbum “Sakidila” (lançado em 2022), destaca-se pela energia, uma frescura diabólica e sobretudo por uma personalidade que parece transcender os concertos ao vivo, mostrando a capacidade de Pongo em fundir sons tradicionais africanos com elementos modernos da música eletrónica.

O single Katana

O single “Katana” é um reflexo da força e energia de Pongo. A música combina ritmos crus com produção moderna, destacando a presença contundente de Pongo. Entrelaça sons comerciais com outros menos consumidos pelo grande público com uma naturalidade invejável, criando assim um som tão impactante quanto cativante.

As letras, tal como nas músicas não românticas que fizeram parte de “Sakidila” e “Baia” (EP lançado em 2018), são mais um exemplo do poder e do carácter de Pongo enquanto intérprete, uma prova do seu crescimento enquanto artista e do seu empenho com as suas raízes culturais.

Créditos da música

Produtor

Koko

Compositores

Aaron Komenski y Engracia Domingos da Silva (Pongo)

Sintetizador, programador y baterias

Aaron Komenski

Engenheiro de masterização

Dee Key Waddell

Sakidila, o primeiro LP de Pongo

Como já referi por duas vezes ao álbum “Sakidila”, aproveito para o recomendar vivamente a partir daqui, dedicando-lhe algumas linhas. Editado em CD e digitalmente em 2022 (vamos ver se alguém publica em vinil), consagrou Pongo como uma das vozes mais dinâmicas do Kuduro. Mas não se ficou “só” aqui: o álbum é uma experiência, vibrante na fusão dos ritmos tradicionais africanos com elementos modernos da música electrónica e pop, elegante, bonito e dançante consoante a ocasião.

Em “Sakidila”, Pongo apresentou uma mistura eclética de sonoridades que reflectia tanto as suas raízes angolanas como as suas vivências em Portugal. As músicas do álbum são uma celebração da vida, da resiliência e da alegria. Com uma produção limpa e cuidada e a capacidade de inovação da Pongo dentro do género Kuduro, é impossível não o recomendar a quem se considera fã de música.

O álbum inclui várias músicas que gostaria de recomendar especialmente. Para além de Bruxos (que cantou em A COLORS SHOW), destacam-se Doudou, a vigorosa Bica Bidon (com Tica) e Hey Linda, embora pudesse adicionar mais que também valem a pena. Cada faixa oferece uma experiência única, mantendo uma coerência temática que reflete a personalidade e o estilo de Pongo. A canção título do álbum, “Sakidila”, é outra a destacar pela sua intensidade contagiante e mensagem positiva.

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No outro dia estava a ouvir o Till I Collapse do Eminem (do álbum The Eminem Show) e lembrei-me de como foi bom ouvir o Nate Dogg no refrão. Este pensamento levou-me a um que sempre esteve lá, desde o início do milénio: Nate Dogg era o melhor especialista em ganchos do hip hop.

Neste ponto, é importante, por um lado, realçar que, embora acreditasse nisto quando tinha 13 anos, não fui o único a pensar nisto – ele é conhecido como o ‘Rei dos Ganchos’ – e por outro lado, a limitar esta afirmação, que é tão pessoal quanto universal, uma vez que no mundo do hip hop existiram e sempre existirão grandes especialistas em refrões. Principalmente a partir do final dos anos 90, quando o rap se tornou muito mais pop com nomes como Puff Daddy e outros muito mais próximos da soul ou do R&B, onde vozes femininas como Faith Evans, Mary J Blige ou Ashanti se destacaram já nos anos 2000.

Tal como a grande maioria dos rappers da época, Nate Dogg também flertou muito com o R&B, mas podemos encontrar a maior parte dos seus maiores êxitos em músicas mais próximas do gangsta rap, do mainstream e do rap com consciência de rua, como tentarei demonstrar neste artigo que inclui uma lista de reprodução. Havia alguém como ele, pelo menos um pouco? Talvez Jadakiss, embora ele geralmente acrescentasse um verso de rap em todas as suas colaborações.

Data e causa de morte de Nate Dogg

Em primeiro lugar, em resposta à pergunta que dá título a este texto, digo-vos que Nate Dogg faleceu no dia 15 de março de 2011, quando tinha apenas 41 anos. Pioneiro do G-funk e do rap da Costa Oeste, é, em 2024, o rapper com mais colaborações ou featurings da história.

Quanto à causa da sua morte, Nate Dogg morreu devido a complicações de múltiplos acidentes vasculares cerebrais – fala-se também de insuficiência cardíaca congestiva. Aparentemente, é algo que já acontece há alguns anos. O homem já tinha sofrido um AVC que deixou o lado esquerdo do corpo debilitado em 2007 e outro em 2008.

Embora Nathaniel Dwayne Hale, que na verdade se chamava Nate Dogg, foi capaz de recuperar quase por completo a saúde, a sua vida terminou alguns anos mais tarde, sem tempo suficiente para preparar o seu regresso sob a forma de um álbum a solo. Este foi anunciado como um álbum póstumo e aparentemente estava previsto ser lançado em 2013, mas até hoje ninguém ouviu mais nada sobre ele.

Pelo meio, para além da sua carreira musical, várias denúncias e detenções por violência de género, assédio e consumo de drogas.

Nate Dogg, ou como usar um refrão para transformar uma música num êxito

Nate Dogg será sempre conhecido pela sua voz profunda e melódica. O seu estilo, imitado, mas inimitável, foi influenciado principalmente pela música gospel que tocava no coro da igreja quando era criança, bem como pela música que se ouvia em sua casa naquela época. De Marvin Gaye a Stevie Wonder ou Maurice White de Earth, Wind & Fire. Algumas das suas maiores influências musicais confirmadas pelo próprio.

Com aquelas vime, como não melhorar quase sempre as músicas em que colaborava? E destaco especialmente as colaborações, porque as suas músicas a solo tendiam a ser bastante monótonas e carentes de alguma coisa. Vou deixar-vos espreitar quando chegar à playlist.

Ele, que se apresentava como uma mistura entre hip hop e R&B graças ao seu alcance vocal entre tenor e barítono, é considerado o inventor do ‘canto gangsta’ (ou gangsta singing), um estilo de canto que consiste numa mistura de R&B e vozes soul com letras de gangsta rap e que teve grande influência na cultura urbana e em grandes abusadores – e não só – do R&B como R. Kelly ou Chris Brown.

Onde ouviu ao King of Hooks, embora talvez não se lembre de Nate Dogg?

Na playlist verá que dentro das colaborações existem ainda mais colaborações do que aquelas que destaco abaixo, como Kurupt ou WC em muitas delas. É como uma boneca russa que também ignora os 213 enquanto grupo e os oferece como colaboração em trio.

Fiz tudo o que pude para que fosse o mais significativo possível. Mas ui, o mais importante é ouvires as músicas e deixares-te levar por elas como um bom amante de rap.

Canções a solo

• I Got Love
• Nobody Does It Better
• Music & Me
• So Fly (J. Period Remix)
• These Days
• Never Leave Me Alone

Com Dr. Dre

• Your Wife
• The Next Episode
• Xxplosive
• Deeez Nuuuts

Com o seu primo Snoop Dogg

• Ain’t No Fun (If The Homies Can’t Have None)
• Lay Low
• Crazy
• Don’t Tell

Com Warren G

• Regulate
• Game Don’t Wait
• Party We Will Throw Now!
• Do You See

Com Xzibit

• Multiply
• My Name
• Been a Long Time
• Keep It G.A.N.G.S.T.A.

Com 2Pac

• All About U
• Skandalouz
• How Long Will They Mourn Me?
• Thugs Get Lonely Too

Com Eminem

• Till I Collapse
• Bitch Please II
• Never Enough
• Shake That

Con miembros de G-Unit

• 50 Cent – 21 Questions
• Lloyd Banks – Til The End
• Lloyd Banks – Warrior Part 2

Con The Game

• Special
• Where I’m From
• Too Much

Com outros rappers (não com tanta frequência)

• Westside Connection – Gangsta Nation
• Mark Ronson, Ghostface Killah, Trife & Saigon – Ooh Wee
• Houston – I Like That
• Anderson .Paak – What Can We Do?
• Ludacris – Area Codes
• Fabolous – Can’t Deny It
• Jadakiss – Time’s Up
• Shade Sheist – Where I Wanna Be
• Mos Def – Oh No
• Obie Trice – The Setup
• Jermaine Dupri – Ballin’ Out of Control
• Shyne – Behind The Walls (East Coast Gangsta Mix)
• Mobb Deep – Have A Party
• Roscoe – Girls All Pause
• The Notorious B.I.G. – Running Your Mouth
• SNBRN – Gangsta Walk
• Tha Dogg Pound – Let’s Play House
• Tha Eastsidaz – Cool
• Nancy Fletcher – Me and My Homies

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O único propósito deste artigo é dar a conhecer, entre todos os tipos de pessoas, cantores palestinos, descendentes de palestinos ou aqueles que apoiam o povo palestino nestes tempos difíceis. Momentos que na verdade começaram a ser difíceis em 1948, embora tenham se agravado a ponto de sofrerem um genocídio por parte do Estado de Israel e seus planos de colonização.

Na Espanha, o exemplo mais famoso de apoio que existe na música foi composto pela banda Ska-P. A música Intifada, que relembrava os últimos conflitos ocorridos entre 1987 e 2002, ano de lançamento do álbum Que corra la voz!!, resumida naqueles versos que diziam “pedras contra balas, uma nova intifada, na Cisjordânia, em Gaza ou em Jerusalém”. Sobre um Estado criminoso (e acusado por vários países de genocídio e apartheid em 2024), o israelita, que se dedica a destruir e colonizar todas as casas dos palestinianos há mais de meio século.

Mas como aqui não pretendo fazer um panorama histórico de tudo o que aconteceu desde que a Liga das Nações aprovou o Mandato Britânico da Palestina com a intenção de criar um “lar nacional para o povo judeu” até o atual sonho sionista, convido você conhecer e apoiar alguns artistas emergentes relacionados com a Palestina, seja por terem nascido lá, por serem descendentes de palestinos ou simplesmente por dedicarem esforços musicais para apoiar os palestinos hoje.

Edit para adicionar uma menção especial à canção de protesto de Macklemore em favor da causa palestina e dos acampamentos universitários pró-palestinos que começaram na Columbia University e se espalharam até mesmo para outros países onde os governos se definem como muito democráticos e na verdade se dedicam a vender armas para Israel e olhar para o outro lado enquanto se comete um genocídio.

Hind’s Hall também vai para eles, título que se refere ao nome que alguns estudantes deram ao Hamilton Hall para homenagear a memória da menina palestina Hind Rajab, de 6 anos, assassinada pelo exército israelense após ser a uma sobrevivente do ataque por alguns tanques israelenses contra o veículo no qual ela fugiu com seis familiares. Alguns meios de comunicação referiram-se a Rajab como “mulher” para divulgar a notícia de que ela foi morta, o que foi entendido como uma forma de diminuir a importância do que os sionistas fizeram.

Música de cantores nascidos na Palestina, descendentes de palestinos ou conscientes da causa palestina em suas canções

Explore a seleção musical no Spotify que celebra a diversidade e o talento de cantores palestinos ou de ascendência palestina. Estes artistas não só ganharam reconhecimento pelo seu talento musical, mas também pela sua capacidade de transmitir mensagens poderosas e consciência cultural através das suas obras.

Você encontrará músicas como:

• “Rajieen”, de Unites 25 MENA Artists in a Resounding Ode to Palestine, um hino musical de solidariedade e protesto que transcende fronteiras e acende um apelo à justiça.
• “Ana dammi Falastini” (meu sangue é palestino), de Mohammad Assaf (vencedor do Arab Idol e muito sucesso).
• “ميّل على بلدي” (apoie-se no meu país), canção em que Shalby Younis e Ghazal Ghrayeb falam sobre todas as áreas da Palestina e suas características e costumes.
• “Maskhara”, uma canção de protesto muito engraçada de Bashar Murad.

Saint Levant

Saint Levant, cujo nome verdadeiro é Marwan Abdelhamid, é um rapper nascido em Jerusalém e criado em Gaza que fala e canta fluentemente em árabe, francês e inglês. Com uma vida marcada pelo deslocamento e pela diáspora, a sua música é em grande parte alimentada por todas essas experiências (como mostra o EP “From Gaza, With Love”). Ele passou vários anos de sua infância na Faixa de Gaza antes de sua família se mudar para a Jordânia. Mais tarde, mudou-se para Los Angeles, onde atualmente reside e trabalha em sua música, que muitas vezes aborda temas de exílio, identidade e luta palestina.

Embora o rapper tenha acertado em cheio no TikTok meses atrás, nas últimas semanas – enquanto escrevo estas palavras – o nome de Saint Levant apareceu mais nas redes sociais devido ao impacto de sua apresentação no Festival Coachella deste ano, não apenas musicalmente, mas também como um ato de representação política e cultural, gerando ampla discussão e apoio nas redes sociais.

No Coachella 2024, Saint Levant usou a sua actuação para lançar luz sobre o sofrimento do povo palestiniano, especialmente os recentes conflitos em Gaza – para Saint Levant, a música é pessoal e política. No palco, ele mencionou as duras condições enfrentadas pela população de Gaza e expressou a sua solidariedade para com a Palestina. Estas palavras tiveram um grande impacto entre o público, que demonstrou o seu apoio agitando bandeiras palestinianas e cantando cânticos de “Palestina Livre”. Além disso, cantou canções que reflectam a sua ligação pessoal e a situação do seu país natal, incluindo “Deira” e “From Gaza, With Love”.

Elyanna اليانا

Elyanna (árabe اليانا), cujo nome verdadeiro é Elian Marjieh, é uma cantora e compositora palestino-chilena nascida em 2002 em Nazaré. Ela é conhecida por misturar influências culturais em sua música, incluindo ritmos latinos e árabes. Elyanna lançou dois EPs intitulados “Elyanna” em 2020 e “Elyanna II” em 2022, e está programada para lançar um álbum em 2024, que incluiria a música “Ganeni”. Embora também tenha se apresentado no Coachella, não teve o mesmo impacto, apesar de também mostrar seu apoio publicamente.

Elyanna mudou-se para a Califórnia aos 15 anos para iniciar a sua carreira musical e tem trabalhado arduamente para combater os estereótipos na música árabe, procurando elevar o género a padrões globais. Ela trabalhou com produtores conhecidos como Nasri e Wassim Slaiby, que também trabalharam com artistas como The Weeknd. Sua música e estilo pessoal buscam representar e empoderar a comunidade árabe, e ela utiliza elementos visuais e de moda para se conectar com sua identidade cultural em todo o mundo. 

Porque, além da música, Elyanna incorpora elementos culturais em seu modo de vestir, maquiar e pentear. Do bordado palestino ao uso simbólico do olho turco em seus videoclipes. Isto reflete não apenas uma decisão estética, mas também uma homenagem às suas raízes e uma declaração de independência e empoderamento feminino que também gostaria de destacar aqui.

Le Trio Joubran

O Le Trio Joubran, formado por três irmãos nascidos em Nazaré (uma das poucas cidades que o Estado de Israel não destruiu ao levar a cabo as suas revoltas), dedicou a sua carreira a colocar a música tradicional palestiniana no mapa mundial. Através do seu domínio do oud, levaram a rica herança musical da Palestina a um público internacional, promovendo a paz e a unidade através da sua arte geralmente instrumental, mas altamente evocativa. São um dos grupos musicais mais famosos ou, pelo menos, aquele com repertório mais ouvido nos últimos anos.

Zeyne

Zeyne é uma cantora e compositora jordaniana-palestina que combina R&B contemporâneo com tradições musicais árabes. Nascida e criada em Amã, na Jordânia, sua música incorpora influências de artistas icônicos como Fairouz, Lauryn Hill e Rahbani Brothers, bem como elementos modernos de artistas como Billie Eilish.

Sua carreira musical ganhou impulso durante a pandemia de COVID-19, quando ela começou a postar vídeos cantando no Instagram, o que a certa altura a levou a colaborar com o produtor Nasir Al Bashir. “Aproveitando” o momento, Zeyne abordou temas de autodescoberta, ansiedade e limites pessoais em suas canções, usando sua música como forma de exploração terapêutica e expressão pessoal.

Ela lançou vários singles desde então, incluindo “Minni Ana” e “Balak” (com Saint Levant), que consolidaram a sua reputação como uma voz emergente na cena independente na região do Médio Oriente e Norte de África. Mais uma prova de que artistas tentam quebrar barreiras culturais e linguísticas através da sua música, apresentando uma fusão de R&B, pop e soul com letras em árabe.

Nemahsis

Nemahsis, cujo nome verdadeiro é Nemah Hasan, é uma cantora palestino-canadense que se tornou viral no TikTok por sua capacidade de combinar ativismo e música de maneiras comoventes. Talvez você se lembre dela, mesmo que não saiba, pois ela alcançou grande notoriedade nas redes sociais com um vídeo em que cantava acapella o refrão da música “Team”, de Lorde, enquanto mostrava imagens dos graves danos causados ​​pelos ataques em Gaza. Este vídeo não só acumulou milhões de visualizações online, mas também atraiu a atenção de Lorde, que elogiou a performance como uma peça comovente.

@nemahsis

thank you to everyone who has taken the time to educate themselves on the on going gen-oh-side happening in palestine. we need your help???

♬ original sound – nemahsis

Antes de sua fama, Nemahsis começou sua carreira no TikTok, onde compartilhava vídeos de beleza e moda voltados para mulheres muçulmanas, embora ocasionalmente também fizesse covers de músicas famosas, incluindo a de Adele. Seu salto para a música original veio depois de viver uma experiência negativa com uma empresa que não lhe pagava adequadamente, o que a levou a lançar seu single “What If I Took It Off for You?”, uma música que aborda atitudes sociais em relação às mulheres muçulmanas que use o hijab.

Além da sua música, Nemahsis é conhecida pelo seu ativismo, especialmente em apoio à Palestina, o que até a levou a ser retirada da sua editora discográfica por se recusar a reduzir o seu ativismo nas redes sociais. Assustador, considerando como e quando a fama chegou até ela. Sua música não busca apenas entreter, mas também educar e conectar-se emocionalmente com seu público, algo que ela conseguiu com sucesso na plataforma TikTok e além.

Marwán

Marwán, poeta, cantor e compositor hispano-palestiniano conhecido pelo seu profundo compromisso com as questões sociais e humanitárias, é um dos cantores e compositores mais famosos de Espanha, e não apenas pelo seu apoio à Palestina, que aumentou publicamente à medida que a situação também tem piorado no país natal de seu pai.

Especialmente na sequência dos acontecimentos que se seguiram a 7 de Outubro de 2023, Marwán usou a sua música para abordar as injustiças e promover a resiliência palestiniana, como reflectido na sua canção “A lullaby for children sleeping under bombs in Gaza”, composta para apoiar as crianças afectadas pelos bombardeamentos em Gaza. Esta faixa procura angariar fundos para a UNRWA, a agência da ONU para os refugiados palestinos, destacando a sua ligação pessoal a esta causa, uma vez que o seu pai cresceu num campo de refugiados gerido pela UNRWA.

Além de seu ativismo, Marwán tem sido elogiado por sua habilidade lírica e sua capacidade de transmitir emoções profundas através de sua música, abordando temas de amor, desgosto e a experiência humana de forma poética e comovente. Em suma, o seu trabalho não só reflecte a sua herança cultural, mas também aborda tudo, desde o mais pessoal ao mais universal, tentando dar voz às lutas e resistências da sua comunidade através das suas letras e melodias intermédias.

Ruba Shamshoum

Ruba Shamshoum é uma talentosa musicista palestina, nascida e criada em Nazaré e atualmente radicada em Londres. A sua música é uma combinação distinta de jazz e elementos do Médio Oriente, reflectindo uma fusão de sons contemporâneos e tradicionais. Ruba é conhecida por letras que exploram temas de feminilidade, vulnerabilidade e a conexão humana com a natureza e consigo mesmo.

Ela estudou jazz no Newpark Music Centre na Irlanda e tem sido uma parte ativa da cena jazz irlandesa. Em 2017, Ruba lançou seu álbum de estreia “Shamat” (Manchas de Beleza), onde abordou questões de identidade, escapismo, medo e amor. Além da sua carreira musical, deu uma palestra no TED sobre criatividade numa sociedade que reverencia o passado, destacando a sua abordagem cuidadosa à inovação cultural e artística.

Shamshoum colaborou com vários músicos na Irlanda e no Médio Oriente e participou em vários festivais internacionais. A sua música tem sido bem recebida, figurando nas principais tabelas de música indie do Médio Oriente e Norte de África, e tem colaborado em projetos que combinam poesia e música, mostrando a sua versatilidade e compromisso com formas de arte interdisciplinares.

Abe Batshon

Abe Batshon é o fundador e CEO da BeatStars, uma influente plataforma musical que visa revolucionar a forma como os artistas vendem e distribuem suas músicas. Batshon criou o BeatStars em 2008 com o objetivo de capacitar produtores musicais e artistas independentes, permitindo-lhes colaborar, licenciar e distribuir o seu trabalho globalmente. A plataforma conectou mais de 5 milhões de criadores em todo o mundo e pagou mais de US$ 200 milhões à sua comunidade, incluindo o sucesso global “Old Town Road” de Lil Nas X, que usou um beat comprada no BeatStars.

Batshon gravou canções sobre a Palestina profundamente influenciadas por sua herança e experiências pessoais. Batshon, cujos pais são refugiados de Lydd e Yaffa, na Palestina, cresceu consciente das difíceis condições que os palestinos enfrentam. A sua avó levou-o à Palestina em visitas familiares e, ao testemunhar as condições de vida lá, ele começou a escrever músicas que reflectiam tanto a sua experiência pessoal como a luta e resiliência palestiniana.

Estas visitas e a sua exposição directa às injustiças enfrentadas pelos palestinianos alimentaram o seu desejo de usar a música como forma de activismo e expressão cultural. Crescendo numa comunidade onde também observava as lutas dos afro-americanos, Batshon encontrou paralelos entre as lutas de ambas as comunidades e usou a sua música para abordar questões de injustiça social, à semelhança do que artistas como Tupac fizeram no seu tempo. Na playlist, por exemplo, destacam-se “Palestine Will Rise” e “Free Palestine”.

Por um cessar-fogo permanente agora

A ONG Amnistia Internacional publicou no seu website um apelo a um cessar-fogo permanente em Gaza, uma vez que inúmeras vidas foram destruídas e perturbadas devido à crise em Gaza e nos territórios palestinianos ocupados em geral. Perante tal devastação e sofrimento, a humanidade deve prevalecer.

Compartilho a declaração oficial (traduzida do inglês):

Neste momento, as mortes de civis em Gaza estão a aumentar a um ritmo surpreendente. O bloqueio ilegal e desumano das autoridades israelitas, que dura 16 anos, prendeu mais de 2 milhões de pessoas em Gaza, incluindo crianças, idosos e deficientes, sob o bombardeamento implacável das autoridades israelitas. Sem ter para onde ir, eles correm o risco de perder tudo.

Pausas humanitárias de alguns dias trarão uma breve trégua. Mas parar os combates por alguns dias não é suficiente para resolver o sofrimento catastrófico ou aliviar os terríveis danos sofridos pelos civis. Devemos agir agora.

«No confundas mi postura, soy ateo yo no creo en ningun dios
No diferencio a las personas por su raza, su cultura o su mierda de religión
Sólo condeno el sufrimiento, la injusticia y el abuso de poder
Palestina sometida a la más terca de las guerras, la opulencia de Israel»

Para mais informações sobre artistas de origem palestina, convido você a descobrir mais no IMEU, o Instituto para Compreender o Oriente Médio.

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Assim como fiz no blog há alguns anos, vou falar sobre algumas das melhores bandas da história da música do meu ponto de vista, mas aqui focando no mercado internacional.

Neste post você encontrará uma seleção com as melhores bandas dos anos 90 internacionais com base na quantidade de músicas presentes na playlist do Spotify que criei para você com mais de 350 músicas de 1990 a 1999.

Para avisar um pouco, embora esteja a falar de bandas musicais dos anos 90 em inglês, nem tudo que consideramos bandas está aqui.

Por exemplo, você não encontrará nada dos Backstreet Boys ou das Spice Girls. Nem Wu-Tang Clan ou A Tribe Called Quest. Digamos que para trabalhar na lista levei em consideração sobretudo que cumprem uma série de condições.

Resumindo, basicamente correspondem à imagem que todos temos quando falamos de uma banda musical: guitarra, baixo, percussão e um vocalista que não necessariamente usa instrumentos, mas se usa, não é tão ruim assim.

Minha seleção de bandas dos anos 90 internacionais com playlist do Spotify

A partir dessas condições, abro a mão para outros tipos de bandas, mas que contemplem pelo menos essas bases.

Levando em consideração que as bandas de Nu Metal surgiram na década de 90, e com eles a figura do DJ entre os integrantes de um grupo, a configuração pode variar um pouco, mas o importante continua o mesmo.

Se você tiver interesse, além de se inscrir a playlist, não hesite em ler sobre as bandas que escolhei no blog e também saberá porque as nomeo como os melhores grupos dos anos 90 internacionais.

Como você verá, esses são apenas alguns dos grupos emblemáticos dos anos 90 em inglês que você encontrará na playlist do Spotify que criei para você.

As bandas selecionadas ou destacadas abaixo representam uma parte importante da música dos anos 90 em inglês e, embora como pessoa nascida em 1987 minha memória comece em 1993 e meus critérios pessoais mais ou menos no 1999, os nomes que você verá deixaram um legado duradouro na história da música e também na minha memória.

The Offspring

Para mim, The Offspring é a melhor banda dos anos 90 em inglês. Conhecida por ser um dos pilares do punk rock dos anos 90, na playlist você encontra um total de 10 músicas que servem para ver a evolução dos californianos de um estilo punk mais próximo do grunge para um som muito mais único.

Embora o álbum Smash, publicado em 1994, tenha sido o ponto de partida para a fama do grupo (não em vão se tornou um dos álbuns independentes mais vendidos de todos os tempos), tenho que voltar a 1992 para destacar No Hero e Session primeiro, do álbum Ignition.

De qualquer forma, como disse antes, você deve se lembrar dos mocinhos do The Offspring especialmente por músicas como Self Esteem, Come Out And Play ou Smash, que se tornaram hinos da época e catapultaram a banda para a fama internacional.

Claro que em 1997 aparentemente decepcionaram um pouco com Ixnay On The Hombre, dos quais se destacam All I Want e Gone Away. Mas então, por que eles são o grupo com mais músicas na lista dos anos 90? Bom, fora as já citadas, principalmente por causa de Pretty Fly (For A White Guy), The Kids Aren’t Alright e Why Don’t You Get A Job, todos do álbum de 1998 intitulado Americana.

The Cranberries

Esta banda irlandesa liderada por Dolores O’Riordan (que descanse em paz) cativou o mundo com sua voz única e letras emocionantes. Tanto que ocupa a segunda posição na lista de bandas internacionais dos anos 90 com um total de 7 músicas, todas elas sucesso entre o grande público.

Já com o primeiro trabalho, os The Cranberries revelaram-se um dos grupos a seguir ao longo dos anos seguintes, quando em 1993 surpreenderam com o LP Everybody Else Is Doing It, So Why Can’t We?

O fato é que o sucesso obtido com músicas como Dreams e Linger foi tão grande, que demorariam apenas um ano para lançarem seu próximo álbum, No Need To Argue, no 1994, que traz sucessos tão conhecidos como Zombie e Ode To My Family, que ainda ressoam na memória coletiva dos amantes da música dos anos 90.

Depois destes dois anos muito intensos, a banda fez uma longa pausa (dadas as circunstâncias dos álbuns anteriores) para preparar a confirmação de que estávamos perante um grande grupo e não apenas perante dois trabalhos saídos de um período muito fecundo de criatividade do conjunto.

A demonstração, chamada Bury The Hatchet, de 1999, inclui canções tão importantes como Animal Instinct, Just My Imagination e Promises, com as quais os irlandeses ofereceram uma versão ligeiramente diferente e, para alguns, mais madura daquela conhecida alguns anos antes.

Metallica

Embora eu nunca tenha me considerado um fã do Metallica, acontece que eles são o terceiro grupo com mais músicas na lista do Spotify. Normal, porque além do gosto de todos, esta é uma das bandas de heavy metal mais influentes de todos os tempos, e continuaram o seu sucesso nos anos 90.

Que seus fiéis seguidores me perdoem, pois embora sua carreira seja longa e tenha muitas reviravoltas, das 6 músicas escolhidas para esta seleção, 4 pertencem ao seu álbum de 1991 intitulado The Black Album, que contou com clássicos como Enter Sandman, Nothing Else Matters, Sad But True e The Unforgiven.

Embora nos anos seguintes experimentassem um som mais alternativo em Load (1996) e Reload (1997), de onde sai Fuel, música que foi seguida por Whiskey In The Jar em 1998 no álbum Garage Inc, conseguiram manter o status de melhores bandas de rock dos anos 90.

Nirvana

Certamente, ao entrar aqui, você esperava a presença dos Nirvana. Graças a Deus não decepciono, embora não apareça como uma das três bandas com maior número de músicas na lista, talvez porque a banda liderada por Kurt Cobain não pudesse ter uma carreira tão longa quanto outros grupos aqui citados devido ao suicídio do cantor grunge mais famoso.

De qualquer forma, nos anos em que a banda esteve ativa, é inegável que foram uma força imparável na cena grunge dos anos 90, o que também significa que foram uma força imparável de amargura.

Seu icônico álbum de 1991, Nevermind, inclui hinos como Smells Like Teen Spirit, Lithium e Come as You Are, que definiram uma geração inteira.

Porém, não são as únicas músicas pelas quais o grupo será sempre lembrado. Também ajudam neste marco In Utero (1993) com Dumb e com Heart-Shaped Box e suas versões no MTV Unplugged In New York gravadas e publicadas em 1994, onde encontramos The Man Who Sold The World (original de David Bowie).

Red Hot Chili Peppers

Outro desses grupos emblemáticos dos anos 90 são sem dúvida os Red Hot Chili Peppers, que fundiram o rock alternativo com o funk nos anos 90. Músicas como Under The Bridge e Give It Away do álbum Blood Sugar Sex Magik (1991) tornaram-se hinos do década.

Mas não foram os únicos grandes sucessos da banda, que fechou a década em 1999 com três músicas inesquecíveis como Californication, Otherside e Scar Tissue.

Rage Against The Machine

Os irrepetíveis Rage Against The Machine desafiaram as normas até então apenas acariciadas pelos Aerosmith com Run-DMC com a sua mistura de rap e metal, e o seu álbum de estreia homónimo de 1992 é um testemunho da sua energia e compromisso social.

Músicas como Bombtrack, Killing In The Name e Wake Up se destacam como hinos de resistência e de luta por justiça nos anos 90. Obviamente, a banda não foi um fogo de palha, e em 1996 lançaram o álbum Evil Empire, onde destacou o single Bulls On Parade, e em 1999 a música Guerrilla Radio, do álbum The Battle Of Los Angeles.

Mencionar, por outro lado, as capas de todos os seus álbuns, cada uma mais icônica que a anterior.

Blur

É hora de viajar para o Reino Unido para falar de outro tipo de banda dos anos 90 que, apesar de não ser americana, é inevitável mencionar, dada a popularidade que o Britpop experimentou nos anos 90.

Neste caso, destaco a banda britânica Blur, que trouxe um toque de sofisticação ao Britpop quando comparado a outros grupos da década.

O álbum Parklife de 1994 inclui canções como Girls & Boys e Parklife, que capturam a essência do espírito jovem e da sátira social da década.

Mais tarde, em 1995, chegaria Country House como parte de The Great Escape, a energética Song 2 em 1997 e Coffee & TV em 1999, como parte do álbum 13.

Guns N’ Roses

Os Guns N’ Roses trouxeram o hard rock de volta ao mainstream com seu álbum Use Your Illusion I & II em 1991.

Com membros da banda tão lembrados como Axl Rose ou Slash, e músicas como November Rain e Don’t Cry, Knockin’ On Heaven’s Door (original de Bob Dylan) e Live And Let Die (original de The Beatles), demonstraram a versatilidade da banda.

Enquanto isso, Sweet Child O’ Mine se tornou um clássico instantâneo que manteve o Guns N’ Roses como um dos grupos de rock mais importantes dos anos 90 em inglês. Não precisavam de muito mais para permanecer na memória coletiva como tal.

R.E.M.

Com cada vez menos músicas para citar, mas, diferentemente da banda anterior, com sucessos mais espalhados ao longo da década, falo dos R.E.M. Eles triunfaram nos anos 90 com álbuns como Out of Time em 1991 e Automatic For The People em 1992.

Losing My Religion e Everybody Hurts são baladas atemporais que definem a melancolia e a introspecção que atormentaram a Geração X ao longo da década, enquanto Shiny Happy People e Man On The Moon deram aos fãs um pouco mais de entusiasmo pela vida.

Já podes perceber que em geral nos anos 90 havia melancolia, niilismo e uma certa tristeza geral com suas gotas de indiferença perante a vida, mas a música soava muito boa.

Oasis

Oasis, banda de Manchester liderada pelos irmãos Gallagher, personificou o Britpop dos anos 90 na memória coletiva com muito mais força do que os já citados Blur, apesar de ser, no geral, pior banda (ahem, opinião pessoal).

Wonderwall e Don’t Look Back In Anger, de seu álbum de 1995 (What’s the Story) Morning Glory? são hinos que deixaram de tocar nos estádios de todo o mundo basicamente por causa do mau relacionamento dos irmãos, cada um pior. Daí que em inglês exista a expressão “Don’t go Gallagher”.

Além das músicas citadas, na lista você encontrará Live Forever, do álbum Definitely Maybe (1994) e Champagne Supernova, não tão famosa quanto as já citadas, mas outra música que merece destaque de seu álbum mais famoso.

Dover

Assim como a cabra puxa sempre para o monte, na lista das melhores bandas dos 90 internacionais há uma que quero destacar por ser de origem espanhola.

Não foi o única que cantou em inglês nos anos 90 e o fez com sucesso, mas pode ser considerada a melhor fácilmente. Na verdade, na Espanha temos toda uma geração de bandas conhecidas por aparecerem em anúncios da Pepsi, mas entre nomes como Australian Blonde ou Los Manolos (ahem de novo), vale destacar a presença de Dover, a banda espanhola formada pelas irmãs Cristina e Amparo Llanos, que atraiu a atenção internacional na década de 1990 graças ao seu álbum Devil Came To Me lançado em 1997, e que confirmou ainda mais seu talento com o álbum The Flame em 1999.

Fundindo rock alternativo com grunge de forma distinta (embora na década seguinte se voltassem para um estilo muito mais pop e eletrônico), canções como Devil Came To Me, Serenade, Cherry Lee e D.J. se destacaram por seu som quebrado e distinguível voz de Cristina Llanos.

Descubra mais bandas ouvindo minha playlist no Spotify e Tidal

Em fim, ainda falta citar outros grupos que também possuem 4 músicas na lista, mas não posso falar de todas aqui porque acabaria ficando chato, então, como reparação, deixo aqui os nomes daqueles dos que você pode sentir falta. Os mais notáveis: Radiohead, The Smashing Pumpkins, The Corrs, Ocean Color Scene, Smash Mouth, Sugar Ray ou Limp Bizkit.

Além disso, cá deixou-te o link para a playlist no Tidal, caso que não tenha Spotify e prefira a qualidade do som (ou mesmo que seja por questões éticas) ou simplesmente porque acha que vale mais a pena ouvir a música nesta plataforma de música.

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Existem certos países e cidades que têm em sua história numerosos filmes e canções que, ao invés de serem desenvolvidos em seu solo, falam deles como se fossem mais uma entidade com personalidade. Neste verbete falarei sobre os fados de Coimbra que marcaram grande parte das minhas experiências ao longo do meu Erasmus entre 2008 e 2009.

As pessoas que passam fazem deles o que são, a sua história e a idiossincrasia que se cria à sua volta os moldam, e de tudo isto surgem cartas de amor (ou ódio) como mais uma parte do seu encanto.

Suponho que o mais fácil para começar seria falar de canções que falam de Nova Iorque ou de Madrid, uma pela fama que tem e outra porque, sendo eu daqui, sempre foi mais fácil para mim descobrir música sobre minha cidade. Até porque a crença de que é o centro do mundo marca um pouco os cantores na Espanha, aparentemente.

No entanto, este primeiro post dedicado às canções da cidade é sobre fados famosos e não tão famosos de Coimbra. Coimbra, cidade de Portugal conhecida sobretudo pela sua Universidade, algo como a Salamanca de Espanha, com uma tuna particular e uma presença muito importante da Associação Académica de Coimbra a nível social.

Porém, para mim Coimbra é a Praça da República com a esplanada do bar onde se toma um galão ou uma cerveja, é o Feito Conceito com a caipirinha azul. Também pelo Bigorna Bar, pelos bares, pelas Noites Longas, pelo Shot’s Bar, até pela Via Láctea e outras discotecas. Mas também pela vida tranquila, pelo passeio pelo Parque do Mondego, junto ao rio, até pelo Portugal dos pequenitos. Pela Latada, pela Queima das Fitas e, como última nota de memória, pelo fado de Coimbra com que as noites terminavam de madrugada em alguns bares.

E vou falar-vos sobre esse e outros fados abaixo, incluindo uma playlist com os mais importantes.

Playlist con Fados de Coimbra famosos y músicas emblemáticas

Saudades de Coimbra, de José Afonso

José “Zeca” Afonso é um dos artistas mais queridos da cidade onde faleceu o poeta Miguel Torga. Este carinho deve-se, apenas em parte, à sua canção Saudades De Coimbra, em que percorre as suas ruas estreitas, as suas escadas, os seus arcos medievais, os seus parques e o seu rio Mondego, enquanto o cantor caminha com a sua capa, típica do aluno (e que todos os alunos usam lá).

Porque falar da música de Coimbra (e das canções portuguesas em geral) é sinónimo de falar de saudade. A razão reside na sua longa história como centro do ensino universitário no seu país. Grande parte dos seus alunos eram habitantes de outras cidades que foram viver para Coimbra para fazerem a licenciatura e, quando a concluíram, regressaram à sua cidade de origem cheios de tristeza.

Abril em Portugal (Coimbra), de Amália Rodrigues

A música mais famosa sobre Coimbra no mundo foi cantada pela fadista mais famosa do mundo, Amália Rodrigues. Conhecida como Abril Em Portugal ou simplesmente Coimbra, começa assim:

Coimbra é uma lição de sonho e tradição. O lente é uma canção e a lua a faculdade. O livro é uma mulher. Só passa quem souber e aprende-se a dizer saudade.

Evocando a sensação de primavera, estação recorrente, como veremos a seguir.

Balada Da Despedida (Coimbra Tem Mais Encanto), de Fernando Machado Soares

Se alguma vez visitar Coimbra, além de passear e visitar o que o guia de viagem (ou a internet) recomenda, pode sair uma noite na discoteca da Associação Académica, que é mais barata, ou em qualquer pub pouco espaçoso e verá que a última música que toca antes de fechar é Balada Da Despedida (Coimbra Tem Mais Encanto), fado de Fernando Machado Soares ou Balada Da Despedida Do 5º Ano Jurídico (Coimbra, 1989), fado da Estudantina Universitária De Coimbra, intercambiavelmente.

Balada Da Despedida Do 5º Ano Jurídico (Coimbra, 1989), da Estudantina Universitária De Coimbra

Em Coimbra têm conseguido tirar partido de um facto cada vez menos singular, pois o mundo está mais globalizado e é possível viajar para outros países com mais facilidade. Não é tanto uma questão da cidade onde se está a viver como o fato de morar dum ano a cinco em um único lugar, ter boas experiências lá e voltar para casa cheio de boas lembranças e muitas saudades.

Mas como disse antes, em Coimbra são assim há séculos e merecidamente ganharam fama. Acima de tudo graças à Queima das Fitas, um festival com duração superior a uma semana, organizado pela Universidade de Coimbra e no qual os alunos finalistas queimam tradicionalmente as suas fitas coloridas, representativas do curso que frequentam, como forma simbólica de terminar a sua carreira e o tempo que passaram lá (algumas pessoas queimam todo o uniforme de estudante). Como não compor Fados de Coimbra tendo em mente esta ideia da saudade vital da juventude?

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Diabo Na Cruz foi uma banda de rock portuguesa que considero uma das mais importantes da música portuguesa moderna e cujo estilo musical pode ser definido como uma mistura de rock com toques do folclore tradicional português. O primeiro álbum deles, Virou!, é (pela capa) um bom exemplo do que acabei de dizer.

Quando, de vez em quando, descubro algum artista de um país que não fala inglês, pergunto-me como é possível que o seu trabalho não seja comercializado em Espanha. Sei que o meu gosto não é nada de outro mundo, não é por isso, mas porque me parece estranho ver como o interesse por outras músicas se perdeu ao longo dos anos (pelo menos ao nível das vendas). Essa é a sensação que tenho ao olhar os paradas das décadas de 50, 60 ou 70 e compará-las com as mais atuais.

Os Diabo Na Cruz, na minha opinião, foram e são uma lufada de ar fresco na música da Península Ibérica. Embora quando publiquei este artigo eles tivessem lançado dois álbuns, Virou! (2009) e Roque Popular (2012), após uma longa digressão por Portugal que terminou em outubro de 2014, regressaram ao estúdio de gravação e, antes de fazerem uma pausa na banda, publicaram mais dois álbuns de estúdio: Diabo Na Cruz (2014) e Lebre (2018). Mais tarde, em despedida dos fãs, lançaram um álbum ao vivo que também vale a pena reivindicar.

Apesar de ter descoberto esta banda conscientemente em 2013, poderia jurar que quando estive de Erasmus em Portugal em 2009 já ouvi alguns dos seus singles em bares e pubs juntamente com outros grandes sucessos como Rap Das Armas, Kalemba (Wegue Wegue) ou Maria Albertina. Digo isto porque desde a primeira audição do primeiro disco tive a sensação de os conhecer e talvez isso tenha ajudado a considerá-los como um dos meus grupos preferidos.

Discografia e melhores músicas de Diabo Na Cruz

Virou (2009)

O álbum Virou!, com músicas como Dona Ligeirinha, Os Loucos Estão Certos ou Tão Lindo, foi um triunfo a todos os níveis no seu país. Seguindo um pouco os passos de grandes bandas como Deolinda ou Humanos (uma superbanda portuguesa que incluía Camané, David Fonseca ou Manuela Azevedo, entre outros) em 2004, o Diabo Na Cruz também tem entre os seus membros pessoas já experientes, tanto sozinhos como fazer parte de outras bandas.

Por exemplo, neste álbum participaram como membros do Diabo Na Cruz artistas como Bernardo Barata no baixo e nos coros, João Pinheiro na bateria, caixa e bumbo, Jorge Cruz na guitarra eléctrica e voz, o que para mim também é muito recuperável solo B Fachada na guitarra braguesa (não guitarra portuguesa) e ainda nos coros e João Gil no sintetizador ou sines em português.

Neste caso, em vez de usar como conceito o de renovar o Fado (como faz Deolinda) ou de cantar canções que o António Variações nunca publicou (como fizeram os Humanos), Diabo Na Cruz criou composições e letras próprias, muito mais próximas de rock, em que falam, entre outras coisas, da idiossincrasia do seu próprio país, sendo a sua estrutura musical, portanto, parte de um todo que enfatiza o carácter crítico e folclórico do seu rock, o que lhes confere que se torne um dos grupos com a maior personalidade dos últimos anos.

Roque Popular (2012)

Já no segundo álbum, Roque Popular, perdida a capacidade de surpreender o ouvinte com algo novo, é hora de definir um pouco mais o seu estilo, e o grupo aproveitou para encher nossos ouvidos de energia com o single Bomba-Canção, para depois descansarmos alguns minutos com Luzia, dois singles muito bons que fazem deste segundo álbum uma continuação mais que notável do trabalho anterior.

Já disse antes que me surpreende que artistas como Diabo Na Cruz não venham para Espanha, visto que também somos países vizinhos, com uma cultura muito semelhante e situações ainda mais semelhantes. Enquanto aguardamos aquele que será o seu terceiro álbum, estamos perante uma das bandas mais interessantes a ter em conta na década de 2010, e surpreende-me que não tenha causado uma espécie de imitação na Espanha.

Diabo Na Cruz (2014)

Neste terceiro álbum, Diabo Na Cruz dá a impressão de esgotar sua marca registrada, esquecendo em grande parte o rock poderoso criado nos álbuns anteriores. Mesmo assim é um álbum bastante digno e conta com ótimas músicas como Ganhar O Dia e Vida De Estrada, altamente recomendadas.

Também é verdade que a minha opinião é que é um álbum que, no seu conjunto, soa menos fresco que os dois anteriores. Porém, para o público em geral, em termos de audição e popularidade, é o segundo melhor álbum da banda, ou pelo menos aquele que contém as músicas mais ouvidas depois do álbum de estreia.

Lebre (2018)

Por fim, o último álbum de estúdio do Diabo Na Cruz, Lebre. Marcou a última despedida da banda, que se fez à estrada para uma última digressão com concertos para se despedir dos seus seguidores por todo o Portugal. Para minha tristeza, nunca me ocorreu viajar para lá e tentar assistir a um dos seus últimos concertos. Já que não vieram para a Espanha (que eu saiba).

Então fica aqui minha pequena homenagem a uma das bandas que mais e melhor animou minhas viagens de metrô e ônibus durante quase 10 anos. Fica aqui o meu agradecimento a esta banda que tem conseguido rejuvenescer um tipo de música muito particular e que merece ter recebido um pouco mais de atenção fora das suas fronteiras.

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Começar um blog de música a falar do origem do seu título parece uma boa ideia, certo? Muri D’Assenzio (Paredes de absinto em português, Muros de absenta em espanhol) é uma música da banda italiana Ianva, de seu primeiro LP Disobbedisco! 1918-1920, uma das propostas mais interessantes ocorridas em 2006.

Ianva é uma banda neofolk genovesa formada por membros de grupos de Rock Progressivo e Black Metal. Definem o seu projecto musical como arqueofuturista, uma homenagem à música italiana e europeia dos últimos quarenta anos, em que se destacam claras referências à música de Ennio Morricone, ao cabaré, à música marcial e a uma atmosfera cinéfila absorvente.

Disobbedisco! 1918-1920 é um álbum conceitual ambientado na cidade de Fiume durante os anos 1918-1920, após o fim da Primeira Guerra Mundial, quando Gabriele D’Annunzio proclamou a anexação da cidade ao Reino da Itália.

Vídeo de YouTube con la letra en español de Muri D’Assenzio, de IANVA

Não inclui letra em português, porque eu sou espanhol e só o fiz para mim inicialmente, mas, no entanto o traduzo, tens a letra da música em espanhol. Se não aparecer ao reproduzir o vídeo, tente ativar a opção de legendas oferecida pelo player do YouTube.

Resenha do Disobbedisco! 1918-1920, primeiro álbum do IANVA

O álbum conta a história de amor que surge entre o Major Renzi, oficial dos Arditos (Lega di Fiume), e a espiã inimiga Elettra Stavros. Muri D’Assenzio é a música que encerra a história, aquela que atinge os mais altos níveis de épico e tragédia do álbum. Apesar de Disobbedisco ser mais divertido no seu conjunto, há algumas músicas que, para mim, se destacam acima da média, como La Ballata Dell’Ardito -incluída num EP com o mesmo nome em 2005-, ou Tango Della Menade -incrível e declaração atmosférica de amor.

Outros álbuns e músicas da IANVA que recomendo

Na data de publicação deste verbete, a banda italiana publicou mais dois álbuns, com os quais continua a aprofundar a história da Itália. Itália: Ultimo Atto, publicado em 2009, no qual poderia dizer que se centram nos anos 70 italianos, destacando canções como Piazza Dei 500 (sobre a morte de Pier Paolo Pasolini), Pasionaria (alguém assobiou Morricone?) ou Luisa Ferida.

O outro álbum é La Mano Di Gloria, lançado em 2012 (e cuja versão em livro foi publicada simultaneamente em três volumes), e neste caso ambientado num futuro próximo em que a Itália e a Europa estão sob o domínio de uma oligarquia de iluminados, em onde se destacam Edelweiss (música incrível que mostra que não chegaram ao teto), Sul Mio Sangue (com um início espetacular) ou Canzone Dell’Eterna Aurora.

Destaca-se também a versão que fizeram da música Amsterdam, original de Jacques Brel, que incluíram no seu primeiro EP.

A IANVA é uma banda com ideologia?

Embora a ignorância da língua ou da história italiana possa ser uma desvantagem, a música, as vozes e a sua atmosfera são suficientemente envolventes para tornar a audição memorável. Ianva é uma banda altamente recomendada e, para quem se pergunta, eles próprios respondem “sem qualquer tipo de ideologia acrescentada”, o que muitas vezes tende a indicar precisamente o contrário: têm uma ideologia que começa por enaltecer o Império Romano e termina com pessoas em campos de concentração.

Pessoalmente, espero e desejo que não seja assim, que tanto a nível musical como a nível pessoal, ninguém na banda Ianva tenha ideias de extrema-direita ou seja um nostálgico, porque adoro a música deles e me incomodaria se ter que tentar separar o autor da obra quando a obra parece um potencial apito de cachorro. Principalmente porque este blog chama-se Muros de absenta justamente pela eloquência do título desta música.

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