Falar sobre Ingmar Bergman é mencionar um dos maiores diretores de cinema da história. No entanto, o cineasta sueco não é apenas isso, um diretor. Roteirista, dramaturgo e ser humano atormentado definem melhor sua marca. Este último aspecto, não em vão, é essencial em seu trabalho, não tanto para compreendê-lo, mas especialmente para melhor entender como isso também passou a fazer parte do que o tornou um autor cult ao longo de sua carreira.
Desde sua morte em 2007, o culto em torno de seu trabalho não diminuiu. Pelo contrário, permanece vivo, assim como o número de admiradores e detratores do legado que ele nos deixou. Portanto, tomaremos uma posição a respeito.
Neste blog, somos grandes fãs de Ingmar Bergman, tanto de sua filmografia quanto de seus livros, da atração que tudo o que ele fez gera para nós, a catarse que seu trabalho ainda provoca e a honestidade, do nosso ponto de vista, com a qual ele sempre abordou seus roteiros. Além disso, pela dedicação e minúcia que ele trouxe ao seu trabalho.
Nas próximas linhas, mergulharemos em alguns dos grandes momentos do Diretor Bergman e também da pessoa Bergman, escritor e dramaturgo, incluindo alguns links interessantes para quem deseja saber mais sobre o diretor sueco.
Filmografia e vida: Compreendendo o cinema de Ingmar Bergman como se fosse um amante
Com 70 filmes dirigidos e 77 roteiros, de acordo com o IMDB, a filmografia de Ingmar Bergman poderia ser definida como a de um autor (não resumido). O cinema de autor, embora sempre tenha existido, ganhou uma dimensão existencial diferente com ele. Especificamente, a do existencialismo até a morte. Embora sua carreira tenha começado como a de muitos outros, fazendo filmes escritos por outros, a verdade é que ele começou escrevendo o que outros dirigiriam posteriormente, e não o contrário. Prova disso é Torment, de Alf Sjöberg.
Se o filme mencionado acima foi lançado em 1944, só em 1946 ele demonstraria suas habilidades de direção pela primeira vez com o filme Crise, que ele também escreveu. Desde então, ele alternou filmes mais pessoais com outros escritos por terceiros e adaptados por ele, embora sempre sentisse que havia uma personalidade específica em todos eles. Que tipo de personalidade estamos falando? Uma repleta de ansiedade e angústia, com traços de Søren Kierkegaard e notas de Johann Sebastian Bach, embora ainda não tão avassaladora. Naquela época, estava mais focado no amor e nas desilusões amorosas.
Porque, como em qualquer carreira significativa, sempre há um ponto de virada. Para muitos, esse momento exato aconteceu com a estreia em Cannes de Sorrisos de uma Noite de Verão (quase uma comédia), mas para nós, é Verão com Mônica. Principalmente porque esse é o ponto de virada em nossas vidas quando ainda transmitiam ciclos de filmes por diretores na La2 (emissora de TV espanhola). Muito antes de descobrir Sorrisos de uma Noite de Verão ou os filmes muito mais famosos que ele fez posteriormente, o primeiro que chamou nossa atenção foi o estrelado pela lendária Harriet Andersson em 1953.
Bergman e seu grande ano no cinema: O Sétimo Selo e Morangos Silvestres
Usando o título de um dos últimos documentários feitos sobre Ingmar Bergman (Bergman, Um Ano na Vida), lembramos que, após seu ponto de virada unânime, que estreou em 1955, dois anos depois ele lançaria os dois filmes que o tornariam definitivamente o diretor mais influente do momento. Sim, eram tempos diferentes. Mas não porque fossem diferentes do presente, não podemos dizer que não havia hipsters e pedantes naquela época. Havia, mas isso não era culpa de Bergman.
Pois várias coisas devem ser levadas em consideração sobre Bergman. Todos o associam ao pedantismo, ao tédio e à ausência de Deus. No entanto, a carreira do diretor, assim como sua vida, passou por uma clara evolução que o levou a se concentrar às vezes em outros aspectos menos conhecidos por aqueles que não haviam seguido de perto sua trajetória.
Em 1957, por exemplo, Morangos Silvestres e O Sétimo Selo foram lançados nos cinemas pela primeira vez. O primeiro trata de um professor aposentado enfrentando a velhice e tudo o que ela implica, enquanto reflete sobre sua juventude. O último é sobre um cavaleiro medieval que retorna das Cruzadas, preparado para jogar xadrez contra a Morte. A Morte está muito presente em ambos os filmes, mas não da mesma maneira. Enquanto o último fala claramente sobre a ausência de Deus e respostas sobre o que acontece após a morte, o primeiro é um estudo abrangente do envelhecimento.
Cinema de autor, trípticos e o primeiro período de esplendor
Derivado do sucesso crítico e público de ambos os filmes, cada novo projeto de Ingmar Bergman tornou-se algo muito semelhante a um evento. Similar, não o mesmo, porque o Twitter não existia naquela época. Mesmo assim, deve-se reconhecer que ele realmente se tornara uma figura significativa no mundo do cinema. Não apenas no cinema de autor, onde era uma das principais figuras. Influenciado pelo espírito de Dreyer, contemporâneo de outros gigantes do cinema europeu como Robert Bresson, influente para a Nouvelle Vague e muitos outros, ele também era um crítico. Ou um detrator.
Pois Bergman tinha sua própria opinião sobre outros gigantes do cinema. Ele não gostava nada dos filmes de Orson Welles, não entendia nada dos filmes de Godard e não apreciava particularmente Antonioni. Mas nem tudo era ruim; ele adorava Tarkovsky, invejava sua maneira de retratar sonhos, ou o cinema de Truffaut, pela forma como conversava com o público. Anos depois, ele até confirmou sua admiração pelos filmes de Pedro Almodóvar em uma entrevista com Juan Cruz.
Além dos gostos pessoais do famoso diretor, focamos em seu cinema. A conhecida trilogia do silêncio de Deus, composta por Através de um Espelho (1961), Luz de Inverno (1963) e O Silêncio (1963), é um dos melhores exemplos de existencialismo na tela grande, bem como uma profunda análise da doença mental (e de como um escritor pode explorá-la), ansiedade e medo. Como contraponto, o rótulo se torna definitivo: todos pensam que ele é obcecado pela morte e por Deus. E é verdade, mas é hora de muitos renunciarem a ele no futuro por ser entediante.
Todas Essas Mulheres (1964), o grande fracasso comercial e crítico de Bergman
Vale ressaltar que Ingmar Bergman estava realmente atormentado. Uma pessoa que se expunha ano após ano, artisticamente expressando seus erros e medos, acima de tudo. Esta foi sua abordagem ao longo de sua carreira, mas nem toda a sua vida estava focada na morte, o que o levou a outras preocupações no cinema. O aspecto interessante, em todos os filmes de sua filmografia, é que, além da qualidade artística, habilidade narrativa, roteiro e outros elementos técnicos, em todos eles ele cria uma conexão com o espectador. Dessa forma, o mesmo espectador evolui junto com o diretor, especialmente se começou a assistir seus filmes aos 18 anos e acompanhou um ritmo anual mais ou menos.
Portanto, se um espectador começa a assistir sua filmografia em ordem, é provável que chegue ao final de Luz de Inverno se sentindo exausto e desejando algo um pouco menos intenso. É aí que Todas Essas Mulheres entra, a primeira comédia oficial do diretor, embora não a primeira para nós, pois consideramos O Rosto (1960) como a verdadeira primeira. Em qualquer caso, ambos os filmes surgiram após a intensidade. O último após O Mágico (1958), estrelado por Max Von Sydow, como a maioria dos filmes mencionados nesse período.
Embora Bergman também seja lembrado por sua capacidade de entender mulheres no cinema, ou de torná-las realistas por meio das atrizes, Todas Essas Mulheres, com sete atrizes principais, foi um grande erro. Ele o renegou por anos e, mesmo no final de sua vida, manteve que foi um erro completo. Seu primeiro filme totalmente colorido, segundo ele, não foi bem feito, não usou a cor adequadamente e não tinha nenhum senso de humor.
Persona (1966), ansiedade e novos temas
Mas do fracasso com a cor para o preto e branco e a dor perene. Após os eventos de 1964, podemos observar a primeira grande mudança no cinema de Bergman, pelo menos desde que ele se tornou famoso e internacional. O ritmo de trabalho que ele mantinha, equilibrando entre cinema e teatro, juntamente com o estresse e os problemas de estômago que ele já tinha, levou-o a sofrer um ataque de ansiedade. Hospitalizado por essa razão, ele começou a escrever Persona, que muitos anos depois ele também publicaria como um livro, mostrando mais uma vez seu talento como roteirista, e onde ele conheceu a atriz Liv Ullmann, com quem teria uma filha um ano depois.
Como muitos outros artigos na internet já fizeram, não vamos focar muito nos relacionamentos amorosos do cineasta ou em todos os filhos que ele teve, etc. Não julgaremos seus atos pessoais, não porque não queremos. Acreditamos que ele os fez como diretor e roteirista, e sempre com uma boa dose de sinceridade e rigor. Temos o exemplo de Através de um Espelho, onde parecemos identificá-lo com o pai-escritor, embora neste caso escrevendo sobre sua filha e não sua esposa (como Bergman faria sobre sua primeira esposa). Ou podemos ver Cenas de um Casamento, por exemplo, para observar claramente como ele sempre se comportou com a maioria das mulheres que o amavam.
Como ele mesmo disse, ele não sabia como, mas nenhuma dessas mulheres nunca falou mal dele em público, ao contrário de seu irmão mais velho. Privadamente, no entanto, elas o fizeram, assim como seus filhos, e ele também retratou isso em Sarabanda. Resumindo, a chave da filmografia de Bergman, tanto em preto e branco quanto em cores, estava na vida do cineasta, em sua sinceridade, porque ele usava o cinema como uma forma de libertação. Ele escrevia e filmava, e então o que ele havia escrito e filmado já não lhe pertencia. Era sua catarse, e isso também era Persona, cujos monólogos e planos representam o auge de sua carreira.
Vermelho é a cor mais intensa
Durante os anos subsequentes, a filmografia de Ingmar Bergman continuou a crescer ilimitadamente, mas já não surpreendia tanto, embora ainda o fizesse. Ele entregou um filme de terror psicológico como A Hora do Lobo ou Vergonha, mas foi com o retorno à cor em 1972 que sua popularidade internacional cresceu mais uma vez. Desta vez com o intenso Gritos e Sussurros, onde novamente o cerne do enredo está no campo psicológico e na figura da mulher no momento.
De qualquer forma, além do sucesso alcançado (sendo indicado ao Oscar de Melhor Fotografia, Filme, Diretor, Roteiro e Figurino), gostaríamos de dedicar esta seção ao diretor de fotografia da maioria dos filmes de Bergman: Sven Nykvist. Juntos, eles criaram uma parceria que sempre será lembrada na história do cinema pelas grandes imagens que criaram juntos. Tanto em preto e branco quanto em cores, Nykvist provou ser um dos maiores diretores de fotografia do mundo, colaborando nos anos seguintes com outros admiradores de seu trabalho, como Woody Allen, sendo um exemplo notável.
Mencionamos a cor vermelha no título desta seção principalmente porque é a cor favorita de Ingmar Bergman. Pelo menos em seus filmes. Aparentemente, tudo remonta à sua infância, como na maioria de seu trabalho, aliás. A casa de sua avó, como ele relata em sua autobiografia, estava cheia de vermelho. Da mesma forma que ele acreditava, estando naquela casa, que podia ver espíritos, ele também foi marcado pela cor vermelha. Isso também seria demonstrado em Fanny e Alexander, por exemplo, um filme que parecia ser sua despedida do cinema para sempre, mas não completamente.
A chegada da televisão e o exílio na Alemanha
Com o advento da televisão nos lares suecos, Bergman mudou um pouco o foco do cinema, valorizando as tremendas possibilidades oferecidas pelo novo formato. Nessa nova fase de sua carreira, ele produziu grandes minisséries como Cenas de um Casamento em 1973, que ele também lançou em uma versão condensada fora das fronteiras de seu país, mais uma vez alcançando sucesso. As atuações de Erland Josephson e Liv Ullmann, mais uma vez acompanhadas de direção, transformaram essa história sobre um casamento desmoronando em uma reflexão sobre relacionamentos para muitos, além da fachada de perfeição que eles representam para os outros.
E isso, dizemos mais uma vez, é a essência do cinema de Ingmar Bergman, além da qualidade indiscutível de seus filmes. Não se trata do que você pode ver de si mesmo em seus filmes ou se você se sente representado. Não. É a capacidade que qualquer um de seus filmes, conhecidos ou não, tem de fazer você refletir sobre si mesmo. Seja com Verão com Monika, revendo seu passado, ou com Na Presença de um Palhaço, entendendo ou se identificando mais com outros seres humanos, no final das contas, estamos sempre julgando e sendo julgados. Você não precisa gostar disso, mas é intrigante quando eles te levam a esse ponto.
Durante esses anos, o cineasta foi acusado de evasão fiscal, embora anos depois tenhamos aprendido que foi seu contador quem fez isso. Ele foi viver na Alemanha Ocidental para evitar humilhação pública em seu país natal. Sua produção não diminuiu durante esse período, mas ele perdeu algum seguimento internacional (segundo ele, devido à sua incapacidade de se comunicar efetivamente em alemão e vice-versa). No entanto, em 1978, um marco do cinema sueco ocorreu na Alemanha. A colaboração de duas lendas: Ingrid Bergman e Ingmar Bergman. Estamos falando do drama mãe-filha Sonata de Outono, no qual Liv Ullmann, Gunnar Björnstrand e Erland Josephson também participaram.
Demônios de Ingmar Bergman, maturidade e o Oscar
De qualquer forma, o que é importante na carreira de Ingmar Bergman, além de seus filmes individuais, é observar a evolução. De focar na morte, ele passou a se concentrar em relacionamentos românticos e, eventualmente, começou a explorar sua infância e seus pais. Em muitos desses casos, ele permitiu que outros dirigissem seus roteiros, entregando alguns dos melhores a Liv Ullmann (cujo mérito é evidentemente dela, como demonstrado pelas obras de Bergman dirigidas por outros, como seu filho). Com exceção de Infidelidade, dirigido por Ullmann, as outras obras dirigidas por terceiros eram também romances, e discutiremos sobre eles mais adiante.
A chave nestes dez anos, do lançamento de Cenas de um Casamento ao lançamento de Fanny e Alexander, além do Oscar, exílio e retorno ao seu país, foi sua retirada do cinema internacional. Embora ele continuasse a filmar e trabalhar, era principalmente para a televisão e gerava pouca atenção fora de seu próprio país.
Parece que Bergman finalmente encontrou alguma estabilidade mental aos 50 anos, amadureceu e abraçou completamente o amor com Ingrid (cujo sobrenome se tornou Bergman, mas não a atriz). Ingrid, aliás, é a amante retratada em Infidelidade, entre outras obras. Além do esgotamento que veio de filmar e concluir projetos, abandonar a alegria que ele costumava encontrar nisso e viver intensamente com uma centena de pessoas por alguns meses, a doença e a subsequente morte de sua parceira também o influenciaram. Isso o deixou trancado em seus aposentos, continuando sua batalha contra os demônios através de rotinas diárias inquebráveis.
O Teatro, como se fosse sua esposa
Como Ingmar Bergman disse, ele entendia seu trabalho: “o teatro é minha esposa e o cinema minha amante.” Ele estava feliz com ambos, mas trabalhar em um significava abandonar o outro. No entanto, o teatro era uma verdadeira paixão para ele. Lá, ele não precisava atuar; em vez disso, ele dedicava tempo aos atores e a grandes obras de outros, como Henrik Ibsen ou August Strindberg, além de A Flauta Mágica de Mozart e muitos outros. Seu amor pelo teatro era tão profundo que por muitos anos ele foi diretor do Teatro Nacional Sueco, o Dramaten.
Não em vão, ainda hoje, Bergman é lembrado como um dos diretores de teatro mais prolíficos do mundo. Na produção teatral, nomes como Shakespeare, Molière ou os já mencionados Ibsen e Strindberg tiveram uma influência significativa, não apenas através de seu trabalho no teatro, mas também em sua produção artística em geral. Sua excepcional habilidade de interpretar e descobrir novos aspectos em dramas históricos, dando vida e relevância a eles para nosso tempo, o tornou um dos grandes diretores de teatro.
Para Bergman, a própria peça e sua essência, o que ele considerava a intenção do dramaturgo por trás da peça, constituíam um dos três pilares do teatro, juntamente com os atores e a plateia. Não podemos esquecer que tudo começou com o teatro de marionetes, que ele começou a experimentar aos 11 anos (junto com a lanterna mágica), e ele o desenvolveu até um grau altamente sofisticado antes de entrar no teatro real no final dos anos 1930. Desde o início, ele se inspirou nos melhores de seus compatriotas, como Alf Sjöberg, cujo Grande Klas e Pequeno Klas foi sua primeira experiência no teatro no Teatro Dramático Real em 1930, e Olof Molander, cuja produção de Um Jogo dos Sonhos (1935) o diretor descreveu como “o alicerce de todas as suas experiências teatrais.”
Quando a música é o mais próximo de Deus (e Deus não existe)
Levando em consideração que Ingmar Bergman dedicou uma parte significativa de sua filmografia a retratar a ausência de Deus entre os humanos, sua afirmação de que a música era a coisa mais próxima da divindade explica perfeitamente sua importância para ele. Porque a música era um componente crucial em sua vida e obra, desempenhando um papel tremendo tanto em suas produções cinematográficas quanto teatrais. Ele a incorporava em seus filmes, criando uma ampla gama de sensações, usando música clássica de seus compositores favoritos.
No entanto, um dos compositores mais importantes para ele acabou sendo Bach. Sua música frequentemente aparecia nos filmes e obras teatrais de Bergman, especialmente a partir dos anos 1950. Ele usava as obras de Bach nos créditos, momentos climáticos cruciais e orquestrava seus dramas com a ajuda da música de Bach.
De certa forma, a estrutura narrativa de Bergman está intimamente relacionada à música de Bach em sua estrutura, concepção interna e título. Isso é especialmente evidente no último filme que ele dirigiu: Saraband. Sarabanda é a quinta suíte para violoncelo solo de Bach em dó menor (BWV 1011) e é tocada cinco vezes ao longo do filme. Ela aparece em vários episódios que dividem cada parte, servindo como uma espécie de refrão (em sua estrutura) e simbolizando uma imagem (em seu significado).
A biografia de Ingmar Bergman através de seus livros
Para concluir o artigo, não devemos ignorar o trabalho literário de Ingmar Bergman, focado principalmente em sua infância, que ele predominantemente explorou durante os produtivos anos posteriores de sua carreira, permitindo que outros adaptassem essas obras para filmes posteriormente.
Entre as autobiografias que nunca foram adaptadas para filmes, devemos recomendar “The Magic Lantern” e “Images”. O primeiro fala sobre sua vida desde a infância até o ano em que escreveu o livro, e o segundo é mais focado em sua carreira profissional. Em ambos os casos, descobrimos um escritor envolvente, tanto imaginativo quanto honesto, com grande habilidade para cativar os leitores com sua narrativa. Tanto é assim que, devido ao seu sucesso, ele se permitiu escrever e publicar outros romances biográficos.
Esses romances incluem “The Best Intentions,” que explora os primeiros estágios do relacionamento romântico de seus pais antes de ele nascer (ou melhor, até pouco antes de ele nascer); “Private Confessions,” uma continuação focada no mesmo casal, mas muito mais centrada na mãe de Bergman; e finalmente, “Sunday’s Children,” que relembra um fim de semana da própria infância do diretor com seu pai, uma figura muito presente em sua filmografia, aliás. Todos esses romances foram adaptados para filmes, como mencionamos, enquanto o sueco decidiu permanecer em sua ilha, onde continuou a viver desde que filmou “Persona” até sua morte em 2007, aos 89 anos.
(Madri, 1987) Escritor por vocação, especialista em SEO por profissão. Amante da música, cinéfilo e amante da leitura, mas em modo “amateur”.